Lançamentos - Blog Rock in Roll

Muse - The Resistance

2009-10-21T08:34:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Cercado de expectativa, o novo álbum dos britânicos, "The Resistance", chega ao mercado mostrando que o Muse resiste e continua inspirado. Depois de quatro álbuns e do reconhecimento da mídia e dos fãs, o Muse não se aquieta. Ainda bem.
Mais uma vez, a banda acerta na mistura de influências, sonoridades e idéias que poderiam soar desconexas. Mas não soam. "The Resistance" é como uma colcha de retalhos em que cada pedaço parece ter sido feito exclusivamente para se encaixar no fragmento que vai ao seu lado. A música flui, amalgamando batidas eletrônicas quase dançantes com distorções e passagens que remetam a trilhas sonoras.
O disco começa com "Uprising", escolhido como primeiro 'single', que mostra um lado bastante comercial da banda, mas não se despe da aura alternativa. Assim como a canção seguinte, que dá nome ao álbum, esta é uma faixa aparentemente fácil, mas intensa. "Undisclosed Desires", que vem na seqüência, reafirma essa intensidade falando de um amor incondicional - é um dos destaques do álbum. Outro destaque é "I Belong To You", canção que entrou na trilha sonora do filme "Lua Nova".
A produção do álbum ficou nas mãos da própria banda, o que certamente lhes deu liberdade para experimentar - e viajar à vontade - nas sonoridades que se ouve no repertório. O trio se concedeu o direito, inclusive, de compor uma faixa, a bela "United States of Eurasia", que é uma mescla de rock progressivo, referências ao Queen, elementos orientais e ainda traz conhecidos trechos de "Noturno", do compositor Frédéric Chopin, como música incidental. Não é tarefa para qualquer um.
A citada canção teve também um lançamento interessante. Numa espécie de caça ao tesouro, a banda dividiu a música em 7 partes. Cada trecho foi gravado num pen drive e deixado em um local movimentado de uma grande cidade (Paris, Berlim, Dubai, Nova York, Moscou, Tokyo e Hong Kong). Quando o pen drive era encontrado, a pessoa fazia o upload do trecho para o site da banda. Quando todas as partes foram encontradas e enviadas, a banda disponibilizou a música gratuitamente para os membros cadastrados no site.
O Muse encerra o repertório de "The Resistance" ousando, com o 'monstro sinfÔnico' "Exogenesis: Symphony", uma canção dividida em três partes, com influências de música clássica, com pianos, orquestração da EdoDea Ensemble, guitarras e ambiências - tudo em 12 minutos épicos.
Formado por Matthew Bellamy (voz, guitarra, teclado, piano), Christopher Wolstenholme (baixo, voz) e Dominic Howard (bateria, percussão, sintetizador) o grupo parece ter atingido a excelência em sou novo álbum. "The Resistance" é imperdível.

Faixas do CD:

01. Uprising
02. Resistance
03. Undisclosed Desires
04. United States of Eurasia (Collateral Damage)
05. Guiding Light
06. Unnatural Selection
07. MK Ultra
08. I Belong to You (Mon coeur s'ouvre à ta voix)
09. Exogenesis: Symphony Part 1 (Overture)
10. Exogenesis: Symphony Part 2 (Cross-Pollination)
11. Exogenesis: Symphony Part 3 (Redemption)

publicado em
21/10/09

Pearl Jam - Backspacer

2009-10-19T05:27:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

A voz grave e tão característica de Eddie Vedder e a sonoridade das 11 canções de compõem o repertório de "Backspacer", nono álbum da discografia do Pearl Jam, não deixam dúvida: o quinteto de Seattle continua produtivo e criativo.
É essa identidade forte - que garante a fidelidade incondicional dos fãs - que molda o novo álbum. Há alguns elementos pop que deixam o conjunto das canções bastante fácil de ouvir e isso talvez seja resultado do trabalho de Brendan O'Brien. O produtor, que já trabalhou com artistas como Bruce Springsteen, Black Crowes e Stone Temple Pilots, foi o responsável pela produção dos álbuns "Yield", "No Code" e "Vitalogy" do Pearl Jam.
O novo álbum foi majoritariamente composto por Eddie Vedder e pelo guitarrista Stone Gossard e as canções refletem seus estilos. Do baixista Jeff Ament, somente "Got Some", uma faixa agitada, talvez a mais rock n' roll do álbum todo, que lembra o estilo de "Just Like That" de seu disco solo.
Baladas como a linda "Just Breathe" - na praia das canções que Vedder compôs para a trilha do longa "Into the Wild" - e "Amongst the Waves" dividem espaço com canções mais cruas como "Gonna See My Friend". Um clima arrastadão atravessa todo o repertório, mesmo quando o ritmo acelera.
A novidade, talvez, esteja na aura positiva que ronda as letras de "Backspacer". Elas revelam um Pearl Jam menos engajado, mais solto e esperançoso. Repare no tom de salvação presente na canção "Amongst the Waves": "I can see the light / Coming through the clouds in rays". Eddie Vedder chegou a declarar que o otimismo que se ouve no álbum é fruto da chegada de Obama à presidência dos EUA.
E quando fala de vícios, em "Gonna See My Friend" e "Speed of Sound", por exemplo, é para sugerir que fiquemos longe deles. Até o amor está presente em algumas das faixas, podendo-se incluir aí o amor pela música em "Supersonic".

Faixas do CD:

01. Gonna See My Friend
02. Got Some
03. The Fixer
04. Johnny Guitar
05. Just Breathe
06. Amongst the Waves
07. Unthought Known
08. Supersonic
09. Speed of Sound
10. Force of Nature
11. The End

publicado em
19/10/09

Otep - Smash the Control Machine

2009-10-18T06:34:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Fãs de Nu Metal alegrem-se. Eis mais um título para a coleção. Todos os outros podem passar batido.
Prestes a completar uma década de existência a banda norte-americana Otep lança o quarto álbum da carreira, “Smash the Control Machine”. O grupo é liderado pela vocalista Otep Shamaya e conta com os músicos ‘Evil’ J. McGuire (baixo), Rob Patterson (guitarra) e Mark ‘Moke’ Bistany (bateria).
Caso você não conheça o som do Otep e esteja pensando “mas afinal, o que essa banda toca?” te digo que não é necessário se preocupar muito com isso. O Otep é uma das bandas que surgiram durante os últimos suspiros do Nu Metal e é isso o que se ouve neste álbum. “Smash the Control Machine” foi produzido por Ulrich Wild, produtor que já trabalhou com outros grupos que provavelmente foram influencia para o Otep, como White Zombie, Pantera e Static-X.
“Rise, Rebel, Resist” abre o álbum com uma sonoridade que em muitos momentos lembra uma mistura de Soulfly com System of a Down. Esta é uma das músicas mais rápidas e agressivas do disco. O mesmo estilão segue na segunda faixa, “Sweet Tooth”.
“Run for Cover” traz uma linha vocal típica da mistura de Metal com Hip-Hop. Música bem cadenciada que deve agradar os praticantes de pula-pula ou pogobol (alguém lembra disso?).
Mais estranha do que a barulheira e gritaria estridente e irritante típica do estilo praticado pelo Otep é a faixa “Ur a WMN Now”. Ao ouvir pela primeira vez achei que tinha algum erro e essa faixa fosse de um outro disco. Violinos e piano embalam a voz dessa vez calma e límpida da vocalista. A música destoa totalmente do restante do disco e só piora a situação que já não é lá grande coisa.
Fãs de Nu Metal alegrem-se. Eis mais um título para a coleção. Todos os outros podem passar batido.

Faixas do CD:

01. Rise, Rebel, Resist
02. Sweet Tooth
03. Smash The Control Machine
04. Head of Medusa
05. Numb & Dumb
06. Oh, So Surreal
07. Run For Cover
08. Kisses & Kerosene
09. Unveiled
10. Ur A WMN Now
11. Serv Asat
12. Where The River Ends
13. I Remember

publicado em
18/10/09

Andrew W.K. - Cadillac 55

2009-10-17T06:48:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Famoso por suas canções agitadas, cantor surpreende com álbum instrumental de piano.

Que Andrew W.K. nunca foi muito normal todo mundo sabe. Mesmo assim, o músico e cantor americano ainda consegue surpreender a cada álbum lançado. Depois de gravar versões para sucessos pop japoneses, ele agora lança “Cadillac 55”, um álbum instrumental de piano.
Sim, é isso mesmo. No novo álbum, Andrew W.K., conhecido entre outras coisas por suas músicas festeiras, distorcidas e agitadas, apresenta um repertório improvisado só de piano. Logo de início temos a ótima “Begin The Engine”, onde o músico flerta com o jazz, o clássico e alguns outros estilos no decorrer dos quase 9 minutos de duração.
Mas depois disso, o que temos é pura e simplesmente Andrew W.K. “viajando”. Ele mesmo disse que gravou o disco em apenas duas horas, praticamente “de primeira”, tocando o que vinha na cabeça. “55 Cadillac”, portanto, traz consigo muita naturalidade e idéias frescas.
As composições fluem sem passar por filtros. O lado ruim disso é que, embora seja um bom pianista, Andrew W.K. não é nenhum gênio. Ou seja, algumas passagens são excelentes, enquanto que outras soam bem chatas.
Destaques para a técnica “Central Park Cruiser”, para a bela “5” e para “Cadillac”, que conta com intervenções de guitarra e efeitos eletrônicos discretos, possivelmente a melhor do disco. Uma oportunidade interessante para conhecer um outro lado de Andrew W.K.

Faixas do CD:

01. Begin The Engine
02. Seeing The Car
03. Night Driver
04. Central Park Cruiser
05. 5
06. City Time
07. Car Nightmare
08. Cadillac

publicado em
17/10/09

Europe - Last Look At Eden

2009-10-16T07:14:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Durante os quase 30 anos na trajetória desta banda sueca praticamente quase tudo mudou ao longo do tempo...
Desde o nome, que na fase do anonimato era Force, passando pelas tradicionais idas e vindas na formação, repaginadas na imagem, culminando com o fim e o retorno do quinteto.
Nome, integrantes, penteados e roupas foram alterados, apenas algo se manteve intacto: a música.
“Last Look At Eden”, 8º álbum na discografia e o 3º após o retorno em 2003 da formação original, traz mais do mesmo e pouquíssimas vezes isso significa algo totalmente excelente.
Simples assim: Hard Rock de primeiríssima qualidade, com todos os elementos que tanto agradam os fãs do estilo, como eu, e que são tão reprovados por aqueles que torcem o nariz para o gênero: bateria e baixo formando uma “cozinha” compacta, sólida e ideal para o arsenal de ‘riffs’ e solos de guitarra e os vocais virtuosos na medida certa para os refrões sempre grudentos. Tudo isso inexplicavelmente atualizado em uma sonoridade moderna.
Destaques para a faixa-título “Last Look At Eden”, “Gonna Get Ready”, a balada “New Love In Town” e “Run With The Angels”, definitivamente a melhor do ‘tracklist’.
“Last Look At Eden”, assim como todos os álbuns do quinteto sueco, é mais um excelente trabalho atemporal e não datado, mas mais do que isso, um manual perfeito de como se fazer um grande álbum de Hard Rock.

Faixas do CD:

01. Prelude
02. Last Look at Eden
03. Gonna Get Ready
04. Catch That Plane
05. New Love in Town
06. The Beast
07. Mojito Girl
08. No Stone Unturned
09. Only Young Twice
10. U Devil U
11. Run with the Angels
12. In My Time

publicado em
16/10/09

Living Colour - The Chair in the Doorway

2009-10-15T06:27:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Um dos grupos mais talentosos e versáteis da cena, o Living Colour está de volta após um intervalo de cerca de seis anos. “The Chair in the Doorway” marca a estréia pela Megaforce Records, lendária gravadora que já lançou álbuns do Metallica e Anthrax. Talvez por isso, esse trabalho tenha uma sonoridade mais sombria e grave do que os anteriores.
A gravação não é lá essas coisas, especialmente em relação às bases distorcidas de guitarra com afinação baixa de Vernon Reid. As distorções parecem abafadas e “distantes” das músicas, mas provavelmente esse tenha sido o objetivo mesmo. O guitarrista acaba se destacando pelos harmônicos, efeitos e solos. “Method” e “Out Of Mind” são bons exemplo disso.
Corey Glover (voz), William Calhoun (bateria) e Doug Wimbish (baixo), como sempre, também fazem bonito e, mesmo com o longo intervalo entre os discos, conseguem manter o entrosamento.
Embora o clima em geral seja meio tenso e um pouco mais sério, o Living Colour não poderia deixar de lado o ‘groove’. “Young Man” e “Behind the Sun” são as grandes representantes nesse quesito. Já “Bless Those” e “Asshole” são as engraçadinhas do repertório, sendo que a primeira delas tem um solo um tanto quanto insano de Reid.
O único “senão” de “The Chair in the Doorway” é mesmo a qualidade do áudio, que parece não estar à altura da qualidade dos músicos. Mas quem conhece o Living Colour já está acostumado com essa cara de “música ao vivo e sem retoques” dos discos. Falando em “ao vivo”, o grupo fará alguns shows pelo Brasil nos próximos dias. Mesmo que priorizem o novo repertório, a diversão será garantida.

Faixas do CD:

01. Burned Bridges
02. The Chair
03. DecaDance
04. Young Man
05. Method
06. Behind The Sun
07. Bless Those
08. Hard Times
09. Taught Me
10. Out Of Mind
11. Not Tomorrow

publicado em
15/10/09

Hardcore Superstar - Beg For It

2009-10-14T06:01:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Durante os anos 80 e início dos 90 os Estados Unidos foram o grande berço para o Hard Rock mundial. Porém, o estilo entrou em declínio na terra do Tio Sam. Talvez devido às sucessivas modinhas que surgem, alcançam o ápice e desaparecem em pouco tempo por lá e acabam refletindo - infelizmente - em praticamente todo o mundo. Veja o grunge, o industrial, o new metal, o pop punk e por aí vai.
Mas o estilo está longe de estar morto. Da Suécia, mesmo país de onde saiu uma das maiores bandas de Hard de todos os tempos - o Europe - vem o quarteto Hardcore Superstar. O novo álbum do grupo, “Beg For It”, acaba de sair em edição nacional pela Laser Company.
Apesar de ser um nome pouco conhecido, a banda já está na estrada há tempos, desde 1997, e este é o sétimo álbum de estúdio da carreira, o primeiro lançado internacionalmente pela Nuclear Blast.
“Beg For It” traz 12 faixas e começa com a ótima introdução “This Worm’s for Ennio”, provavelmente uma referência ao famoso compositor italiano de trilhas para cinema Ennio Morricone. Acústica, com uma melodia bacana e um clima meio retrô, é uma música bem interessante, apesar de não ter nada a ver com o que o ouvinte receberá a seguir.
A faixa-título é pesada, rápida, com versos curtos e um refrão que - como manda a cartilha - é fácil de acompanhar. “Into Debauchery” tem um ‘riff’ simples e contagiante, o que, aliás, é uma característica presente em todo o álbum.
“Hope For a Normal Life” é uma ‘quase balada’, com destaque para as melodias do guitarrista Vic Zino, que estréia com o Hardcore Superstar neste disco. “Don’t Care ‘Bout Your Bad Behavior” tem um peso que a coloca um pouco fora da classificação Hard ou Glam do restante do álbum.
“Remove My Brain” é cheia dos vocais de apoio que também são característicos do estilo, assim como “Illegal Fun”. “Take ‘Em All Out” tem um ‘riff’ que lembra um pouco “Rocket Queen”, do primeiro álbum do Guns n’ Roses, obviamente uma influência para a banda.
O Hardcore Superstar não apresenta nenhuma novidade musical, é verdade. O vocal de Joakim ‘Jocke’ Berg é bem comum dentro do estilo. Ainda assim, “Beg For It” é um ótimo álbum de Hard Rock. Energético, animado e cheio de boas melodias.
Se você tem o mínimo de interesse pelo estilo, não pode deixar de ouvir este álbum.

Faixas do CD:

01. This Worm's For Ennio
02. Beg For It
03. Into Debauchery
04. Shades Of Grey
05. Nervous Breakdown
06. Hope For A Normal Life
07. Bad Behaviour
08. Remove My Brain
09. Spit It Out
10. Illegal Fun
11. Take Them All Out
12. Innocent Boy

publicado em
14/10/09

Tango Down - Damage Control

2009-09-04T08:03:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line
Uma das bandas que mais vem se destacando na cena Hard Rock americana - e acredite, ela existe - o Tango Down chega ao segundo disco com algumas mudanças. “Damage Control” conta com a estréia do vocalista Alex Barbieri, que trouxe à banda a agressividade e a pegada que estavam faltando.
O Tango Down resgata alguns elementos divertidos do gênero como os chapéus, os apelidos infames como Rif, Diesel e Bam Bam, capa do disco engraçadinha e as letras despretensiosas. O começo com “Empty Hole” e “I Can’t Wait” é de impressionar qualquer fã de Motley Crüe, Skid Row e Firehouse.
A grande sacada do grupo é conseguir misturar diversas nuances do Hard Rock em um mesmo disco. Não se levam a sério, mas também não chegam a se fantasiar de mulher. Temos assim algumas faixas um pouco mais nervosas, outras “festeiras” e até as mais “babas”. Tudo com refrãos pegajosos, ‘riffs’ simples (que funcionam) e ‘backing vocals’ muito bem colocados.
“I’m Done Lovin’ You”, “The Light” e o ‘cover’ para “Change”, de John Waite, são outros destaques. Como as bandas veteranas também retomaram as atividades de uns tempos pra cá, o Tango Down tem recebido convites de todo lado para abrir os shows, com uma ótima recepção do público.
Claro que ainda falta um tempo para a banda amadurecer um pouco e compor alguns grandes clássicos. Mas “Damage Control”, já garante à nova geração do Hard Rock um grande representante.

Faixas do CD:

01. Empty Hole
02. I Can't Wait
03. All Fall Down
04. I’m Done Lovin' You
05. Change
06. Step By Step
07. Radio
08. The Light
09. Waiting For You
10. I Wanna...!
11. Intoxicated

publicado em
04/09/09

Band of Skulls - Baby Darling Doll Face Honey

2009-09-03T07:22:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line
Procurando informações sobre a Band of Skulls por aí, li várias matérias se referindo ao grupo como sendo uma banda de Rock Alternativo. Por mais que o tal rótulo possa englobar muita coisa diferente, ainda assim me parece injusto com o trio inglês classifica-los como tal. O que se ouve em “Baby Darling Doll Face Honey” vai além disso. Felizmente.
O grupo foi formado em 2008 por Russell Marsden (guitarra, voz), Emma Richardson (baixo, voz) e Matt Hayward (bateria). Ou seja, ainda é uma banda jovem e que mostra no álbum de estréia que chega para fazer diferença e ser destaque no atual cenário Rock n’ Roll mundial.
O que mais me chamou a atenção no álbum é a influência de sonoridades de diferentes períodos em muitas músicas. Na faixa que abre o disco, “Light of the Morning”, o andamento e a linha vocal acompanhando a guitarra, traz à mente bandas bacanas do início dos anos 70. Certo, certo. Talvez não seja para tanto, mas o disco começa muito bem.
Durante a execução do álbum as influências vão desfilando. Às vezes se encontra um Jack White - e qualquer uma de suas 513 bandas - aqui e ali, guitar bands dos anos 90, uma baladinha Folk e até umas passagens bem Pop.
Ao mesmo tempo em que o álbum traz essa gama de influências, a banda consegue dar unidade ao som do grupo. Entre as 12 faixas, merecem atenção especial as músicas “Death by Diamonds and Pearls”, “Patterns”, “Hollywood Bowl”, a bela balada acústica “Honest”, e a já citada faixa de abertura, “Light of the Morning”.

Faixas do CD:

01. Light of the Morning
02. Death by Diamonds and Pearls
03. I Know What I Am
04. Fires
05. Honest
06. Patterns
07. Hollywood Bowl
08. Bomb
09. Impossible
10. Blood
11. Dull Gold Heart
12. Cold Fame

publicado em
03/09/09

Daughtry - Leave This Town

2009-09-02T06:40:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Segundo álbum de vocalista revelado no American Idol sofre de falta de personalidade e excesso de produção.

Revelado no show de talentos American Idol, mesmo tendo sido eliminado, o vocalista Chris Daughtry lançou seu álbum de estréia em 2006. Um trabalho versátil, com diversas parcerias, convidados especiais e uma mistura de Rock e Blues, com uma cara de rádio FM. Agora, o músico lança “Leave This Town”, que é basicamente a mesma coisa.
Chris Daughtry é um cara talentoso e um bom vocalista. Mas parece que ainda falta muita estrada para ele. O som que se ouve no disco não tem autenticidade, soa como um produto altamente comercial, feito para tocar um tempo nas rádios e depois ser esquecido.
Chad Kroeger, do Nickelback, assina a autoria de algumas faixas junto com Daughtry e, por aí, já dá pra imaginar mais ou menos o estilo da coisa toda. Melodias pegajosas, refrãos chorosos e muita, muita produção. Ben Moody, aquele do Evanescence também dá o ar de sua graça, junto com mais outros que só são conhecidos nos Estados Unidos.
“Leave This Town” atingirá seus objetivos, figurando nas paradas dos mais vendidos e tendo alguns de seus ‘singles’ usados em vinhetas de programas de TV e comerciais. O álbum pode trazer mais um pouco de fama e dinheiro para Chris Daughtry, mas não o ajudará a conquistar respeito na cena.
Afinal, no ‘debut’ todos deixaram passar a falta de personalidade e a artificialidade das faixas, uma vez que ele demonstrava empenho e cantava bem. E uma pena que ele não evoluiu muito desde então. Já está na hora de dar um passo além.

Faixas do CD:

01. You Don’t Belong
02. No Surprise
03. Every Time You Turn Around
04. Life After You
05. What I Meant to Say
06. Open Up Your Eyes
07. September
08. Ghost of Me
09. Learn My Lesson
10. Supernatural
11. Tennessee Line
12. Call Your Name
13. What Have We Become
14. On the Inside

publicado em
02/09/09

Killswitch Engage - Killswitch Engage

2009-08-31T14:22:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Após uma década na estrada, os americanos do Killswitch Engage já não são mais novidade. O som pesado e complexo que o grupo fazia no início da carreira foi dando cada vez mais espaço para as melodias e esse movimento atingiu seu ápice com o recém-lançado álbum homônimo.
“Killswitch Engage” é sim cheio de ‘riffs’ rápidos, distorções e vocais rasgados. Mas é também um álbum acessível, que não impressiona e nem assusta. Achar um equilíbrio entre a agressividade e o ‘mainstream’ é um caminho bastante arriscado e Brendan O’Brien, que já trabalhou com Bruce Springsteen e Aerosmith foi escalado para co-produzir o material.
O resultado é que o Killswitch Engage poderá ganhar novos fãs mais acostumados com sons leves e que ainda não conheciam a banda, mas poderá irritar os mais “escolados”. As introduções pesadas logo dão lugar a melodias e refrãos chorosos, sem muita inspiração.
Com esse trabalho, os papéis se inverteram. Eles deixaram de ser uma banda brutal que tinha seus momentos mais melódicos, para soar como uma banda Emo que tem seus momentos de Heavy Metal.
O álbum tem ido bem nas paradas e, aparentemente, o Killswitch Engage atingiu seus objetivos, ou parte deles. O grupo, inclusive, vai se apresentar no Brasil no início de outubro. É torcer para que o repertório seja variado e que ao vivo eles continuem interessantes.

Faixas do CD:

01. Never Again
02. Starting Over
03. The Forgotten
04. Reckoning
05. The Return
06. A Light In a Darkened World
07. Take Me Away
08. I Would Do Anything
09. Save Me
10. Lost
11. This Is Goodbye

publicado em
31/08/09

George Thorogood - The Dirty Dozen

2009-08-28T07:53:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Os iniciados em Blues, especialmente aquele um pouco mais puxado para o Rock, certamente conhecem bem George Thorogood. Mas possivelmente todas as pessoas que tem televisão em casa conhecem uma música do artista, mesmo sem saber de quem se trata: “Bad to the Bone”. Sim, esse é um dos maiores ‘hits’ já feitos e um dos mais usados em cenas de filmes, seriados e afins, nos mais diversos contextos.
Mas reduzir os 35 anos de estrada do guitarrista e vocalista a apenas uma música seria injustiça. Com seu jeito todo particular de cantar e tocar, Thorogood, junto com sua banda The Destroyers, se tornou um dos mais respeitados e requisitados interpretes dos grandes clássicos do gênero, além de emplacar composições próprias e conseguir até alguns discos de ouro.
"The Dirty Dozen”, o novo álbum, na verdade não é tão novo assim. Isso porque metade do repertório conta com ‘standards’ de gente como Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry, Howlin’ Wolf e Willie Dixon. Já a outra parte traz faixas novas e outras raras, que cumprem seu papel, mas não chegam a empolgar.
Verdade seja dita, nessa altura da vida, George Thorogood já não tem mais a mesma pegada, a mesma voz e a mesma energia. Isso não significa, entretanto, que “The Dirty Dozen” seja um álbum fraco. É um disco “ok” e até certo ponto previsível. Mas Thorogood é daquele tipo que sempre vai ser bom de ouvir e nesse caso não será diferente. Destaques para “Tail Dragger,” “Drop Down Mama” e “Howlin’ For My Baby”.

Faixas do CD:

01. Tail Dragger
02. Drop Down Mama
03. Run Myself Out Of Town
04. Born Lover
05. Twenty Dollar Gig
06. Let Me Pass
07. Howlin’ For My Baby
08. Highway 49
09. Six Days On The Road
10. Treat Her Right [Edit]
11. Hello Little Girl
12. Blue Highway

publicado em
28/08/09

Pitty - Chiaroscuro

2009-08-27T07:47:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Antes mesmo de “Chiaroscuro” chegar às lojas muito foi dito sobre o álbum, principalmente que se trata de um disco mais maduro e com a inserção de outros ritmos e estilos ao som marcante que Pitty mostrou nos dois primeiros álbuns.
Pois bem, é verdade que este álbum traz algumas mudançatmos, mas nada que possa dizer que a cantora abandonou o Rock. Não abandonou, mas que não é o mesmo Rock visceral e cheio de energia dos álbuns anteriores, isso não é mesmo.
E a mudança é mais sentida justamente no modo como a cantora interpreta as músicas. Mesmo em músicas mais agitadas, como “Fracasso” ou “Rato na Roda”, parece que Pitty não mostra a força de sua voz, como se estivesse contida em limites que facilmente ela poderia transpor.
A faixa mais interessante do álbum é “Medo”, talvez a que mais remeta aos antigos álbuns. Mas o bacana é justamente o trabalho instrumental, principalmente do guitarrista Martin Miranda. “Água Contida”, que traz a participação de Hique Gomez, do grupo Tangos e Tragédias, também é outra música de destaque.
“Me Adora”, escolhida para ser o primeiro ‘single’ certamente por ser a mais comercial do disco - sem nenhuma conotação negativa nisso - também é bacana. “Desconstruindo Amélia” consegue unir uma ótima letra com um instrumental interessante e que se diferencia do restante do disco.
O ponto alto de “Chiaroscuro” diz respeito às letras. Aliás, se tivesse como pesar ou medir o conteúdo das letras de todas as bandas emos - inclusive a do namorado de Pitty - ainda assim não teriam o mesmo peso das composições de “Chiaroscuro”. Claro que não é um tratado filosófico, mas é acima da média.

Faixas do CD:

01. 8 ou 80
02. Me Adora
03. Medo
04. Água Contida
05. Só Agora
06. Fracasso
07. Desconstruindo Amélia
08. Rato na Roda
09. Trapézio
10. A Sombra
11. Todos Estão Mudos

publicado em
27/08/09

Arctic Monkeys - Humbug

2009-08-25T09:20:00.001-07:00

Fonte: Rock on Line

Seguindo a máxima de que quem fica parado é poste, o grupo inglês Artic Monkeys coloca no mercado o terceiro álbum da carreira, "Humbug". O disco traz uma sonoridade diferente e mais elaborada em comparação a seus antecessores.
Dirão alguns que a banda fez bem em modificar sua música - e faço coro -, mas não há uma ruptura radical com a proposta do indie rock influenciado pelo brit pop que sempre se ouviu nas canções no Arctic Monkeys. Mas alguns fãs poderão torcer o nariz para o clima mais denso e menos acelerado de "Humbug".
A música do quarteto soa mais madura, como se deixasse de lado aquela rebeldia sem causa típica da adolescência - e da agressividade que se ouve em "Favourite Worst Nightmare" - e se voltasse para detalhes que antes não tinham espaço. Até a voz de Alex Turner aparece mais suave no novo repertório.
Para quem gostou do projeto paralelo de Alex Turner, o Last Shadow Puppets, "Humbug" soará muito bem - não que haja aquele climão todo dos anos 60, mas é clara a influência desse trabalho no novo disco dos ingleses.
As mudanças certamente devem algo à bela produção do álbum, que contou com James Ford e Josh Homme. Ford também trabalhou no álbum de estréia do Last Shadow Puppets e é possível reparar semelhanças entre as duas bandas nas canções que têm sua mão: "Secret Door" e "Cornerstone". "My Propeller", faixa que abre o álbum, também contou com produção de Ford.
As demais canções tem a produção do inquieto Josh Homme, do Queens of the Stone Age (e agora do Them Crooked Vultures), e resultam mais sombrias do que de costume. "The Jeweller's Hands" e "Fire and the Thud", por exemplo, não caberiam nos discos anteriores da banda. Já a faixa "Crying Lightning", apesar dos novos elementos, mantém a jovialidade e a pegada que colocaram a banda em evidência desde sua estréia.
Provavelmente "Humbug" não figurará nas listas de melhores do ano, mas é um grande álbum e mostra que o quarteto decidiu não fazer mais do mesmo. E acertou.

Faixas do CD:

01. My Propeller
02. Crying Lightning
03. Dangerous Animals
04. Secret Door
05. Potion Approaching
06. Fire and the Thud
07. Cornerstone
08. Dance Little Liar
09. Pretty Visitors
10. The Jeweller's Hands

publicado em
25/08/09

Stryper - Murder By Pride

2009-08-24T09:21:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Em “Murder By Pride”, o Stryper se mostra fiel a todas suas crenças, tanto as religiosas - a banda é cristã - como as musicais - o som Hard & Heavy com baladas açucaradas continua similar ao do disco de estréia, “The Yellow and Black Attack”, lançado há 25 anos.
A voz particular de Michael Sweet logo se destaca à frente dos ‘riffs’ acelerados em “Eclipse of the Son”, que conta ainda com os rápidos dedos de Oz Fox no solo de guitarra. “4 Leaf Clover” também agradará os fãs, com suas melodias vocais dobradas.
Mas a melhor faixa do disco é a seguinte, “Peace of Mind”, que é um ‘cover’ do Boston, composta por Tom Scholz, que também participa nas guitarras. A sua grande força é o refrão delicioso, daqueles de cantar junto com animação.
“Alive” é a primeira balada do álbum, bem lenta e chorosa, com piano na parte inicial, como o Stryper costuma fazer tão bem. “I Believe” é outra balada com ritmo mais mid-tempo e que mistura partes bem Hard Rock.
As guitarras da música título, “Murder By Pride”, também merecem destaque, além do refrão vigoroso, que serviria como pano de fundo para grandes eventos esportivos. E não se pode deixar de comentar sobre uma faixa bem gostosa para se ouvir: a Pop Rock “Run In You”, por causa de seus belos arranjos de piano.
O baterista Robert Sweet e o baixista Tracy Ferrie completam a formação do Stryper nesse novo disco que é um bom exemplo do White Metal dos californianos que merece ser conferido pelos destaques apontados acima.

Faixas do CD:

01. Eclipse Of The Son
02. 4 Leaf Clover
03. Peace Of Mind
04. Alive
05. The Plan
06. Murder By Pride
07. Mercy Over Blame
08. I Believe
09. Run In You
10. Love Is Why
11. Everything
12. My Love (I'll Always Show)

publicado em
24/08/09

Robert Cray - This Time

2009-08-22T08:39:00.000-07:00

Lançado pelo guitarrista e vocalista em 11 de agosto de 2009, cinco anos após seu último trabalho, o álbum apresenta bem a essência de Cray, ganhador por 5 vezes do Grammy Award, com cerca de 40 anos de carreira.
O título do álbum faz referência à própria banda em seu momento atual, uma vez que houve mudanças no ‘line up’. As mudanças fizeram também com que mais composições fossem feitas por Robert e seu time, sendo que todos participaram com algo na criação das músicas. “This Time”, entretanto, não é um album inovador, embora tenha havido alterações estruturais importantes de membros.
As músicas do álbum, sempre bluesy em maior ou menor intensidade, percorrem vários territórios, como blues, pop, R&B, fusion e sons caribenhos inclusive. A produção é imaculada e a sonoridade pura da guitarra é muito marcante e muito natural. A gente sente na cara a mudança de captação e timbre da guitarra como se estivesse ouvindo o guitarrista ao vivo. O guitarrista usa normalmente Fender Stratocaster e Telecaster e tem seu modelo Robert Cray Signature Stratocaster®.
A forma de Cray tocar tem bastante identidade. Ele deixa bastante espaço entre as notas da guitarra. Ao ouvirmos o repertório, vem à nossa mente quem é seu autor intérprete.
O álbum abre com “Chicken in the Kitchen”, um ótimo ‘groove’ com o qual Robert manda um aviso para sua esposa sobre chegar tarde em casa para jantar, com letra baseada na metáfora comida-sexo. Tem solo de guitarra em duas partes de um dos grandes mestres da Stratocaster.
A música título do álbum, “This Time”, apresenta talvez Robert em seus vocais mais marcantes, com ‘bends’ cuidadosamente controlados e rápidas passagens em falsete em uma balada de aproximadamente sete minutos. “To be True” traz um delicioso sabor reggae ao álbum.
“This Time” é um bom trabalho de blues orientado à guitarra. Transita por diversos estilos, com ótimos timbres e sem notas disperdiçadas. Quem procura novidades pode se desapontar com o álbum, mas quem busca ouvir Robert Cray com bastante soul provavelmente vai gostar muito de seu novo lançamento.

Faixas do CD:

01. Chicken in the Kitchen
02. I Can't Fail
03. Love 2009
04. That's What Keeps Me Rockin'
05. This Time
06. To Be True
07. Forever Goodbye
08. Trouble & Pain
09. Truce

Fonte: Rock on Line

publicado em
22/08/09

Nightrage - Wearing a Martyr’s Crown

2009-08-21T07:10:00.000-07:00

Após passar por mais uma mudança de formação - ou melhor, uma verdadeira reformulação - a banda Nightrage apresenta seu novo álbum, “Wearing a Martyr’s Crown”, o quarto álbum de estúdio do grupo. A produção desse trabalho é assinada pelo guitarrista e experiente produtor Fredrik Nordström, um dos músicos mais relevantes da cena metálica sueca.
O guitarrista Marios Iliopoulos, único integrante original, chamou Antony Hamalainen (voz), Olof Morck (guitarra), Anders Hammer (baixo) e Jo Nunez (bateria) para integrarem essa nova encarnação do Nightrage.
O que a banda apresenta nas 11 faixas de “Wearing a Martyr’s Crown” é o típico Death Metal melódico, com algumas outras influências, similar ao que outras bandas já bem consagradas apresentam, como Soilwork, At the Gates e In Flames no início de carreira. Se isso é bom ou mau,depende do ouvinte, já que muito do que essas bandas apresentam soa muito parecido.
Chama a atenção nas músicas do álbum principalmente o trabalho de Iliopoulos e Morck, que às vezes apresentam ‘riffs’ extremamente rápidos e barulhentos e em outros momentos tiram linhas de guitarras e solos cheios de melodias, como na ótima “A Grim Struggle”. Essa faixa ainda traz passagens acústicas que agregam personalidade à música.
“Futile Tears” é uma das músicas que merecem destaque no álbum. Apesar Hamalainen se esgoelar com seu vocal rasgado e agudo, essa faixa é menos rápida e traz mais influências Heavy Metal, soando mais limpa e mais agradável para quem não é lá muito adepto do tal Death Metal sueco.
Fugindo do que é apresentado em todo o álbum há a instrumental “Sting of Remorse”, com solos e porradaria sobre uma bela base acústica. Também se destacam no álbum “Among Wolves”, “Mocking Modesty” e “Shed the Blood”, que abre o disco.
A edição japonesa traz como bônus um cover de “Holier Than Thou”, do Metallica, e uma versão demo de “Failure of All Human Emotions”.

Faixas do CD:

01. Shed The Blood
02. Collision of Fate
03. A Grim Struggle
04. Wearing a Martyr's Crown
05. Among Wolves
06. Abandon
07. Futile Tears
08. Wounded Angels
09. Mocking Modesty
10. Failure of All Human Emotions
11. Sting of Remorse
12. Holier Than Thou (Metallica cover - Japanese bonus)
13. Failure of All Human Emotions (demo version - Japanese & European digipack bonus)

Fonte: Rock on Line

publicado em
21/08/09

Manowar - Thunder in the Sky (EP)

2009-08-20T05:47:00.000-07:00

O Manowar apresenta neste EP uma prévia do que os fãs vão ouvir em “Hammer of the Gods: The Asgard Saga”, o próximo álbum do quarteto. E para alegria dos velhos fãs, digo que esse aperitivo deve agradar os que preferem as canções mais diretas e rápidas. Além disso, serve para redimir a banda pelos últimos dois trabalhos, “Warriors of the World” e “Gods of War”, que não são lá grandes coisas.
“Thunder in the Sky” é um EP duplo, o que até parece estranho. Mas é que no primeiro CD há seis músicas e no segundo outras 15 faixas. O primeiro disco começa com “Thunder in the Sky”, uma música rápida e poderosa similar à “Power”, do “Louder Than Hell”, porém sem os famosos gritos de Eric Adams. Aliás, apesar de ainda continuar uma das mais interessantes e fortes vozes do Heavy Metal, aparentemente os tempos de agudos do vocalista ficaram no passado.
“Let the Gods Decide” parece uma mescla do clima Rock n’ Roll do álbum “Fighting the World” com “The Triumph of Steel”. “Die With Honor”, mais cadenciada, alterna momentos lentos com partes rápidas e é mais uma para a lista das músicas com refrão feito sob medida para o púbico engrossar a voz e o coro nos shows.
Também há uma nova versão para a ótima “The Crown and the Ring (Metal Version)” que não sofreu grandes mudanças, mas traz Eric Adams numa interpretação talvez mais grave e forte que a original, além de um instrumental mais ‘encorpado’, com adição de instrumentos de orquestras e de guitarra, baixo e bateria. Daí o ‘metal version’ do título.
O mais curioso desse EP é justamente o segundo disco que traz 15 versões de “Father” cantadas em diferentes idiomas, incluindo português. O ‘nosso’ português. Confesso que para mim todo esse papo de lutas, batalhas, espadas e cuequinhas de couro já perdeu a graça, mas não tem como não admirar o empenho da banda em continuar cativando os fãs e mostrando que se importam em fazer algo diferente, em dar algo a mais para os fãs de todo o mundo.
Imagina o trabalho que foi para Eric Adams conseguir cantar essa música em tantos idiomas diferentes do inglês! Há versões em turco, grego, croata, polonês, romeno e outros 10 idiomas. O Manowar já tinha feito algo parecido ao gravar “Heart of Steel” e “Silent Night” em alemão, mas dessa vez se superaram.
A letra de “Pai” é bem manjada, mas é bem bacana poder ouvir a banda cantando em português. Cheguei a ler na internet alguns comentários meio enciumados de ‘irmãos do Metal’ lusitanos, pelo fato de ser em ‘português brasileiro’, idioma que - segundo eles - não existe.
Mas voltando ao EP, é um ótimo aperitivo do que a banda deve mostrar até o final deste ano. Agora é torcer para que a entrada não seja mais saborosa que o prato principal. Hail!

Faixas do CD:

CD 1
01. Thunder In The Sky
02. Let The Gods Decide
03. Father
04. Die With Honor (Edit Version)
05. The Crown and the Ring (Metal Version)
06. God Or Man

CD 2: Father
01. Tatko (Bulgarian Version)
02. Otac (Croatian Version)
03. Isä (Finnish Version)
04. Mon Père (French Version)
05. Vater (German Version)
06. Πατερα (Greek Version)
07. Apa (Hungarian Version)
08. Padre (Italian Version)
09. Otousan (Japanese Version)
10. Far (Norwegian Version)
11. Ojciec (Polish Version)
12. Pai (Portuguese Version)
13. Tată (Romanian Version)
14. Padre (Spanish Version)
15. Baba (Turkish Version)

Fonte: Rock on Line

publicado em
20/08/09

White Denim - Fits

2009-08-19T06:30:00.000-07:00

O rock alternativo e com influências diversas praticado pelo trio texano White Denim é difícil de rotular. E fazer isso seria limitar a abrangência de uma sonoridade rica e interessante.
Formada em 2006, a banda mantém uma atividade intensa de shows e álbuns e chega ao 3º disco, intitulado "Fits". O álbum inicia pesado com "Radio Milk How Can You Stand It" que traz uma mistura de riffs, distorções, um quê de anos 90 e garage rock.
Depois de mais algumas faixas enérgicas e diretas, de "Paint Yourself" em diante, o disco vai desacelerando e ficando mais experimental e introspectivo. O experimentalismo, aliás, é algo particular do trio. Ele ganha espaço em solos que se estendem além do padrão comercialmente viável - e podem ser de bateria e não só de guitarra - e também na inserção de 'loops' e elementos que vão do psicodélico - repare em "Say What you Want" - até algo mais indie, como acontece em "I’d Have It Just The Way We Were" e em "Regina Holding Hands".
Até uma pitada de latinidade se encontra no som do trio e talvez seja difícil escapar à tentação tendo se criado no Texas, estado culturalmente influenciado pelo país vizinho, o México. É o que se constata na curta, porém intensa "El Hard Attack DCWYW". Mesmo com tantas misturas, as canções são breves: a mais longa no repertório, "Syncn", tem pouco mais de 4 minutos.
A coesão que o trio formado por James Petralli (voz, guitarra), Steve Terebecki (voz, baixo) e Joshua Block (bateria) consegue em sua música é o maior destaque do álbum. A receita que mistura tantos ingredientes diferentes resulta num prato capaz de alimentar a fome dos fãs de boa música.

Faixas do CD:

01. Radio Milk How Can You Stand It
02. All Consolation
03. Say What You Wan
04. El Hard Attack DCWYW
05. I Start To Run
06. Sex Prayer
07. Mirrored and Reversed
08. Paint Yourself
09. I’d Have It Just The Way We Were
10. Everybody Somebody
11. Regina Holding Hands
12. Syncn

Fonte: Rock on Line

publicado em
19/08/09

Elias Viljanen - Fire-Hearted

2009-08-18T06:14:00.000-07:00

Elias Viljanen é conhecido na cena metálica como o novo guitarrista do Sonata Arctica. O finlandês, no entanto, já tinha dois álbuns solo antes de se juntar ao grupo e agora lança o terceiro, “Fire-Hearted”.
Viljanen é, sem dúvida, um músico habilidoso. O repertório é quase todo instrumental e, embora ele tente dar ênfase nas melodias e nos temas com ‘feeling’, o que chama mais atenção mesmo é a boa pegada e algumas passagens técnicas.
O músico tenta diversificar o repertório e começa num clima mais Satriani com a faixa-título, passando por outras com ‘riffs’ mais pesados, baladas fazendo alusões até a outros estilos. O problema maior é que Viljanen não é lá tão inspirado e suas composições acabam soando ingênuas demais.
“Fire-Hearted” conta ainda com duas músicas cantadas, com a participação dos vocalistas Marco Hietala (Nightwish) e Tony Kakko (Sonata Arctica), que não passam de regulares. Além deles, temos o tecladista Henrik Klingenberg (também do Sonata Arctica), o baixista Jari Kainulainen (Evergrey e Stratovarius) e o baterista Tomi Ylönen, que divide as gravações com Mikko Sirén (Apocalyptica).
Embora não seja ruim, “Fire-Hearted” é um disco que não emociona e nem impressiona. Com ele, Elias Viljanen acabará atraindo mais a curiosidade dos fãs do Sonata Arctica do que os guitarristas e amantes de música instrumental.

Faixas do CD:

01. Fire-Hearted
02. Last Breath of Love
03. Cruel Groove
04. Kiss of Rain
05. Head up High
06. Up to Speed
07. Supernatural
08. One Tonight
09. The Triumph
10. My Guiding Light
11. Showstopper
12. Beautiful Piece

Fonte: Rock on Line

publicado em
18/08/09

Deep Purple - Hits, History & Highlights

2009-08-15T07:16:00.000-07:00

Vídeos raros, gravações feitas para TV e trechos de entrevistas tornam o lançamento imperdível.

O DVD duplo "Hits, History & Highlights" soma quase cinco horas de material do Deep Purple. A overdose de rock clássico é uma coletânea de vídeos que deixará surpreso - e feliz - mesmo o fã mais aplicado.
O primeiro DVD, que concentra a 'History' e os 'hits' do título do lançamento, abre com um documentário de 20 minutos que abrange o período da carreira da banda que vai de 1968 a 1976. O vídeo começa mostrando a primeira formação da banda ainda com o vocalista Rod Evans que em poucos meses foi substituído por Ian Gillan. As passagens de David Coverdale e Glenn Hughes e do guitarrista Tommy Bolin também estão devidamente registradas.
É intressante ver a evolução da banda ao longo desses 8 anos. A década de 70 foi para o Deep Purple a de maior popularidade, mas também marcou o fim da banda, anunciado em julho de 1976. Só na década seguinte, em 84, a banda viria a se reunir novamente, com novas mudanças na formação. Mas essa é outra história.
"Hits, History & Highlights" é um item para fãs tanto da banda como de rock em geral. Além de contar a história desse clássico representante do Hard Rock, traz vídeos raros, gravações feitas para TV e trechos de entrevistas. Nesses 'early years', período considerado como uma era de ouro, o grupo lançou nada menos que 10 álbuns.
Entre as curiosidades do material, está um trecho de uma entrevista de 1969 na qual Jon Lord fala ao repórter que a casa onde a banda ensaiava era mal assombrada. Outra é Roger Glover contando a história do cassino em Montreux que pegou fogo, em 1971, durante um show do Frank Zappa e deu origem à famosa canção "Smoke on the Water". Há inclusive algumas cenas do incêndio: "É impressionante que ninguém tenha se machucado", declara o baixista. O empresário Tony Edwards também aparece, numa entrevista para um canal francês de TV, falando sobre os bombeiros quererem prender a banda por causa dos fogos usados no palco do California Jam.
Quanto às perfomances inclusas no DVD, o fã encontra todos os hinos da banda como “Smoke On The Water”, “Hush”, “Black Night”, “Child In Time”, “Strange Kind Of Woman”, “Burn” e “Mistreated”. Entre outros momentos memoráveis, há o solo performático e interminável de Ritchie Blackmore em "Mandrake Root", no primeiro DVD. A banda tocando "Help", dos Beatles, para um programa de TV na Dinamarca, ainda com Evans nos vocais, também merece menção.
Mesmo com algumas edições e cortes nos vídeos (desnecessários, vale dizer), o material continua merecendo as cinco estrelas que o leitor deve imaginar que eu sugiro ao lançamento. "Hits, History & Highlights" é imperdível.

Faixas do DVD:

Disco 1
00. Documentário (1968 - 1976)
01. Help
02. Hush
03. Wring That Neck
04. Hallelujah
05. Mandrake Root
06. Speed King
07. Black Night
08. Child In Time
09. Lazy
10. Strange Kind Of Woman
11. Fireball Writing Session
12. Fireball
13. Demon's Eyes
14. No No No
15. Into The Fire
16. Never Before
17. Highway Star
18. Smoke On The Water
19. Burn
20. Mistreated
21. Love Child
22. You Keep On Moving

Disco 2:

00. Performances e entrevistas
01. And The Address (Playboy TV)
02. Wring That Neck (Bilzen Jazz Festival 1969)
04. Wring That Neck ("Pop Deux" Paris Concert 1970)
03. Mandrake Root ("Pop Deux" Paris Concert 1970)
05. Black Night (Promo Clip)
06. No No No (Take 1 - Rockpalast Rehearsal Session)
07. No No No (Take 2 - Rockpalast Rehearsal Session)
08. Jt. Nuit (French TV 1974)
09. Leeds Polytechnic Student Project 1974 - "Burn"/"Space Truckin'"
10. New Zealand TV Documentary (November 1975)
11. Smoke On The Water (New Zealand TV)
12. Tony Edwards (empresário) - French TV Interview 1976

Fonte: Rock on Line

publicado em
15/08/09

Yo La Tengo - Popular Songs

2009-08-14T05:29:00.000-07:00

O Yo La Tengo é uma banda experiente, fundada em 1984 e com 11 álbuns na discografia sem contar “Popular Songs”, que acaba de sair. Nos anos 80 e 90 eles chamavam a atenção pelo Rock ruidoso e despretensioso misturados com o ‘groove’ do Soul e elementos de Folk e de Country.
E embora a sonoridade tenha sofrido algumas modificações durante esse tempo todo, o Yo La Tengo de hoje parece ser aquele mesmo de décadas atrás. Isso por um lado é muito bom, pois significa boas canções no repertório. Por outro, a mistura soa conhecida até demais e, em pleno 2009, já não impressiona.
Mas isso parece ter sido uma saída estratégica da banda, uma vez que os dois álbuns anteriores foram mais experimentais e variados e também bastante criticados (mais pelos fãs do que pela imprensa especializada, é verdade).
“Popular Songs”, portanto, joga a favor do público, misturando faixas agitadas e com apelo Pop com outras no melhor estilo Garage e Indie. Momentos introspectivos se alternam com passagens dançantes e muitos sintetizadores.
“Nothing to Hide”, “Periodically Double or Triple”, “All Your Secrets” e “By Two’s” são alguns dos destaques. Mas para o Yo La Tengo manter a fama de alternativo e de que não está nem aí para nada, as duas últimas faixas somam mais de 27 minutos de duração. Aí também já é demais

Faixas do CD:

01. Destino
02. Já Não Quero Mais
03. Last Forever
04. Meu Mundo
05. Não Sou Você’
06. O Tormento do Tempo
07. Perfeita Ilustração
08. Resposta
09. Seguro de Vida
10. Um Erro Por Um acerto

Fonte: Rock on Line

publicado em
14/08/09

DevilDriver - Pray for Villains

2009-08-13T06:28:00.000-07:00

Para quem não sabe, a história do DevilDrider começa nos anos 90, quando o vocalista Dez Fafara fazia parte da banda de New Metal Coal Chamber. Para o bem da humanidade aquela banda acabou. Entre os motivos estava o descontentamento de Fafara com os caminhos trilhados pelo grupo e suas brigas com outros integrantes.
Assim que deixou o Coal Chamber o vocalista formou o DevilDriver que acaba de lançar o quarto álbum, “Pray for Villains”. O som da banda é bem influenciado por grupos como Pantera, Machine Head e Sepultura antigo. E é isso que ouvimos nas 13 faixas da edição padrão do álbum. Uma edição limitada traz ainda outras quatro músicas, incluindo uma versão de “Wasted Years”, do Iron Maiden. Sofrível.
“Pray for Villains” traz muito peso, rapidez e técnica alinhada ao ‘groove’ que ajuda a caracterizar o som da banda. É um disco veloz, agressivo e bem tocado. A produção é assinada por Logan Maden, ex-guitarrista do Machine Head, e que por isso mesmo tem sua dose de responsabilidade na sonoridade do grupo.
Individualmente o destaque fica por conta do trabalho do baterista John Boecklin. O cara pode não ser um nome muito conhecido internacionalmente, mas tem tudo para figurar entre os grandes nomes do instrumento. Por sua vez Fafara se esgoela com uma brutalidade que assusta.
Músicas com ‘riffs’ mais cadenciados são mais interessantes do que aquelas em que os guitarristas dão prioridade à velocidade. Uma dessas bem bacanas é “Back With a Vengeance”, a quarta faixa do álbum.
“Ressurection Blvd.”, “Waiting for November” e “Another Night in London” também são destaques. O álbum todo segue o estilo já conhecido do DevilDriver sem novidades, portanto quem já gosta não vai se decepcionar.

Faixas do CD:

01. Pray For Villains
02. Pure Sincerity
03. Fate Stepped In
04. Back With A Vengeance
05. I’ve Been Sober
06. Resurrection Blvd.
07. Forgiveness Is A Six Gun
08. Waiting For November
09. It’s In The Cards
10. Another Night in London
11. Bitter Pill
12. Teach Me To Whisper
13. I See Belief
14. Self-Affliction (Bônus)
15. Dust Be Thy Destiny (Bônus)
16. Damning the Heavens (Bônus)
17. Wasted Years (Bônus)

Fonte: Rock on Line

publicado em
13/08/09

Fiery Furnaces - I’m Going Away

2009-08-12T05:59:00.000-07:00

O The Fiery Furnaces é uma banda esquisita, difícil de se definir, embora geralmente o rótulo de Indie Rock caia bem. Com quase dez anos de estrada, os irmãos Matthew e Eleanor Friedberger lançam agora “I’m Going Away”, o sétimo da carreira.
Pela configuração e pelo nível de “piração”, eles já foram até comparados com os contemporâneos do White Stripes, mas nunca conseguiram atingir um público muito grande.
A produção de Matthew é propositalmente ruim, com saturações e tudo soando muito cru e direto. A faixa-título, que abre o repertório, também não ajuda, com um ‘riff’ irritante e uma melodia boba se repetindo sem parar.
O The Fiery Furnaces, no entanto, já tem experiência e consegue fazer as coisas melhorarem. “Drive To Dallas” e “The End Is Near” são boas baladas, mesmo com as bruscas acelerações e freadas no ritmo. Já “Charmaine Champagne”, que vem em seguida, retoma o ar engraçadinho e despretensioso que é uma das marcas da dupla. A banda se sai melhor, contudo, nos momentos mais calmos, principalmente quando há intervenções de piano. “Ray Bouvier” é um bom exemplo disso.
“I’m Going Away” é um disco até que normal se comparado com o que o The Fiery Furnaces já fez, mas soa estranho para quem nunca ouviu os irmãos Friedberger. O que incomoda um pouco é um certo descaso com o trabalho.
Mesmo nas canções mais bacanas, os vocais nunca ficam à altura e os “solos” e frases de guitarra são sofríveis, inclusive nos timbres. A intenção até pode ser essa mesmo, mas o The Fiery Furnaces terá de arcar com as conseqüências.

Faixas do CD:

01. I’m Going Away
02. Drive to Dallas
03. The End Is Near
04. Charmaine Champagne
05. Cut the Cake
06. Even in the Rain
07. Staring at the Steeple
08. Ray Bouvier
09. Keep Me in the Dark
10. Lost at Sea
11. Cups and Punches
12. Take Me Round Again

Fonte: Rock on Line

publicado em
12/08/09

Voivod - Infini

2009-08-11T06:21:00.000-07:00

Este álbum marca o fim de uma era para o Voivod e talvez o fim da própria banda. “Infini” foi gravado tendo como base as gravações que o falecido guitarrista Dennis ‘Piggy’ D’Amour deixou em seu laptop. O músico morreu em decorrência de um câncer, em 2005, durante as gravações do álbum “Katorz”. Apesar da perda, a banda continuou as gravações e lançou aquele álbum em 2006.
Agora, quatro anos após o falecimento de Piggy, o grupo surpreende ao lançar o derradeiro tributo ao guitarrista, “Infini”. Com as gravações encontradas no computador do músico os integrantes Michel ‘Away’ Langevin (bateria), Denis ‘Snake’ Belanger (voz) e Jason Newsted (baixo) construíram as 13 faixas deste disco que encerra um capítulo na história do Voivod. E é um final digno.
Não se trata de glorificar o álbum pelo fato de um integrante estar morto - essa mania de santificar os que se foram é irritante. O álbum tem seus méritos independentemente das circunstâncias em que foi feito.
Em “Infini” o Voivod apresenta um som bem cru, direto e com poucas variações. A banda acerta na escolha da faixa de abertura do disco, “God Phones”, uma música barulhenta que alterna um ‘riff’ cadenciado com partes mais rápidas que lembram Motörhead. Logo em seguida outra porrada, “From the Cave”. As duas são as melhores do álbum.
Com um dos ‘riffs’ deixados por Piggy a banda compôs “Earthache”, com uma levada quase blues. Outro destaque do álbum. Curioso que nos versos o vocal de Denis Snake chega a lembrar uma versão mais alcoolizada e rouca de Jim Morrison. “Treasure Chase”, que parece algo de Queens of the Stone Age (!), é bem legal também e seria uma boa música para fazer parte do repertório da banda ao vivo.
O modo e o que motivou a banda a fazer esse álbum já é suficiente para que pelo menos os fãs e curiosos prestem atenção. Mas não é só por isso. As músicas em “Infini” realmente fazem esse disco valer pelo seu conteúdo e não só por se tratar da despedida de Piggy e dessa que foi uma das grandes bandas do Thrash mundial, principalmente nos anos 80.

Faixas do CD:

01. God Phones
02. From The Cave
03. Earthache
04. Global Warning
05. A Room With A V.U.
06. Destroy After Reading
07. Treasure Chase
08. Krap Radio
09. In Orbit
10. Deathproof
11. Pyramidome
12. Morpheus
13. Volcano

Fonte: Rock on Line

publicado em
11/08/09

Nebula - Heavy Psych

2009-08-08T06:06:00.000-07:00

O Nebula continua com seu rock cru, sem firulas, efeitos nem batidas modernas. Em "Heavy Psych" é tudo muito anos 70, muito 'vintage'. E é o título que revela o teor do que vai no repertório: uma viagem pesada.
O disco foi lançado como um EP no ano passado e com a adição de 3 faixas se transformou num álbum. Mas não dá para dizer que são apenas 9 canções (sem contar a faixa final), ou apenas 35 minutos de música, pois a energia que o repertório carrega torna a experiência de ouvi-lo bastante intensa.
O stoner rock psicodélico do trio Eddie Glass (voz e guitarra), Tom Davies (baixo) e Rob Oswald (bateria) é capaz de alterar a consciência do ouvinte com canções como "Lead Sky", "The Dagger" ou "Aphrodite". Elas servem de trilha sonora para qualquer balada rock n' roll. Bem rock n' roll, se é que vocês me entendem. Algo como sair com o pessoal do Mudhoney para assistir a um show do Black Sabbath e encontrar Jimi Hendrix no caminho.
Os ecos na voz meio embargada de Eddie Glass em "In The Depth's" ou "Pulse", as guitarras pesadonas, os solos, nada deixa dúvida: é para parecer que os caras estavam doidões (e será que estavam?). Aparentemente, às vezes: "Sometimes I'm high", confessa o vocalista na letra de "Crown Of Thorns".
Para os amantes do estilo, "Heavy Psych" é um álbum fácil de gostar. E não só pelo 'riffs' fáceis que adentram a mente, mas também quando o trio californiano revela um lado mais arrastado, como acontece em "The Other Side".
Destoa no repertório, a faixa "Running Of The Bulls", que encerra o álbum com cerca de dois minutos e gritos ao longe. Enquanto a sonoridade desacelera, vozes sampleadas reproduzem um diálogo pouco saudável entre um casal que se diz coisas como "Fuck yourself. Burn in Hell, bitch". Meio PJ Harvey demais para o Nebula.

Faixas do CD:

01. Pulse
02. The Dagger
03. Aphrodite
04. Dream Submarine
05. In The Depth's
06. The Other Side
07. Crown Of Thorns
08. Lead Sky
09. Little Yellow Pill
10. Running Of The Bulls

Fonte: Rock on Line

publicado em
08/08/09

Tortoise - Beacons of Ancestorship

2009-08-06T06:10:00.000-07:00

Fonte: Rock on Line

Ser uma banda instrumental já é por si só um desafio. No caso do Tortoise, então, o caso é ainda mais complicado. Acontece que o quinteto de Chicago aposta numa mistura de pós-rock e jazz, com elementos eletrônicos e um clima indie. Improvável, mas tem funcionado.
A banda já está há quase duas décadas na estrada e agora lança “Beacons of Ancestorship”, o primeiro inédito em cinco anos. E o disco começa bem com “High Class Slim Floatin’ In”, mas o tempo vai passando e ela não termina. Acaba se perdendo em seus mais de oito minutos de duração. Felizmente, as outras faixas são mais curtas e diretas. Muitos sintetizadores, guitarras e baixos saturados, ‘grooves’ e levadas nervosas alternadas com outras psicodélicas.
A passagem da banda pelo Brasil deve ter sido marcante, pois o ‘track list’ traz dois títulos em português: “Penumbra” e “Gigantes”. Mais que isso, a última ainda traz referências de música brasileira misturadas ao estilo do Tortoise. Mas nomear músicas, no entanto, parece ser só uma diversão, já que em seguida temos a ruidosa e impronunciável “Yinxianghechengqi”.
O grupo retoma a linha com a bela “The Fall of Seven Diamonds Plus One” e daí pra frente já não há grande coisa. Vale destacar, porém, “Prepare Your Coffin”, lá no começo do repertório.
“Beacons of Ancestorship” é uma prova de que o Tortoise, mesmo com o recente sumiço, ainda está vivo e cheio de energia. Não chega a impressionar como nos trabalhos anteriores, mas pelas características do grupo, só de chegarem até aqui já é louvável.

Faixas do CD:

01. High Class Slim Came Floatin’ In
02. Prepare Your Coffin
03. Northern Something
04. Gigantes
05. Penumbra
06. Yinxianghechengqi
07. The Fall of Seven Diamonds Plus One
08. Minors
09. Monument Six One Thousand
10. De Chelly
11. Charteroak Foundation

publicado em
06/08/09

Trail of Tears - Bloodstained Endurance

2009-08-05T06:12:00.000-07:00

"Bloodstained Endurance” é o sexto álbum da banda norueguesa Trail of Tears. Este disco traz uma formação completamente diferente do disco anterior, permanecendo apenas o vocalista Ronny Thorsen. Com a saída dos outros integrantes Thorsen teve que reformular a banda, chamando novamente a vocalista Cathrine Paulsen, que já havia cantado no grupo entre 2000 e 2004.
Se as mudanças foram muitas na formação, o som continua no mesmo esquema do Gothic Metal que já teve seu momento áureo entre o final dos anos 90 e início desta década. O mesmo vocal masculino gutural e o feminino limpo que 95% das bandas do estilo usavam ou ainda usam. Pelo menos Cathrine não faz aquelas vocalizações operísticas chatas como Tarja Turunen fazia em seu tempo de Nightwish.
O álbum traz 11 faixas, mas pouca coisa nas músicas realmente chama a atenção. Não são necessariamente músicas ruins, mas falta algo de destaque, algo que faça a música ficar na sua cabeça mesmo depois de desligar o som. Há momentos empolgantes, como a faixa de abertura, “The Feverish Alliance”, com um vocal agressivo de Thorsen e uma interpretação bacana de Cathrine, mas no geral é um punhado de canções que só deve prender a atenção de algum fanático da banda. Deve existir algum.
Uma coisa louvável no Trail of Tears é que a banda é muito mais pesada e agressiva do que a maioria dos grupos surgidos na mesma época. É só ver como nomes de destaque do estilo, como Tristania e Within Temptation, suavizaram o som. Se isso é bom ou ruim não sei, mas é um fato.
A faixa-título também traz momentos bacanas, como o ‘riff’ inicial, que até lembra algo de bandas de Thrash mais modernas. Essa influência sempre foi perceptível no Trail of Tears e se mantém em alguns momentos isolados.
A maioria das músicas são rápidas, ou mesclam momentos rápidos com partes bem leves, sem dar muito espaço para os andamentos mais arrastados que muitas bandas do estilo usam. No geral não é um disco ruim, mas como já disse, passa batido.

Faixas do CD:

01. The Feverish Alliance
02. Once Kissed By The Serpent (Twice Bitten By Truth)
03. Bloodstained Endurance
04. Triumphant Gleam
05. In The Valley Of Ashes
06. A Storm At Will
07. Take Aim.Reclaim.Prevail
08. The Desperation Corridors
09. Farewell To Sanity
10. Dead End Gaze
11. Faith Comes Knocking
12. Onward March the Merciless (bonus)

Fonte: Rock on Line

publicado em
05/08/09

The Dead Weather - Horebound

2009-08-04T06:22:00.000-07:00

Por Lizandra Pronin

O inspirado Jack White não se cansa de lançar projetos paralelos e o Dead Weather foi anunciado com alarde e aguardado com ansiedade. Um dos motivos é que Alison Mosshart, do The Kills, é quem forma a dupla com White. Outro é que White assume as baquetas no álbum - e sua produção, obviamente.
Só por aí, se podia esperar algo diferente. Sabendo que quem completa a nova banda é Dean Fertita, do Queens of the Stone Age, que assume teclados e guitarra, e Jack Lawrence, do Raconteurs, que toca baixo e guitarra, já vamos imaginando o que os ouvidos poderão receber.
E causa alguma estranheza a primeira audição do novo disco de Jack White. Quer dizer, de seu novo projeto, pois é preciso lembrar que seu nome aparece nos créditos de apenas uma das canções, "I Cut Like a Buffalo" - que, aliás, é puro Raconteurs. Em outras seis ele os divide com Alison ou Dean. E isso faz da banda realmente uma banda e não um punhado de músicos que acompanham White. Ouvindo "Horebound" logo se vê que o Dead Weather não é outro White Stripes ou um novo Raconteurs.
O repertório traz fortes influências dos anos 70 e do garage rock, nas guitarras sujas e pesadas e nos vocais rasgados, temas mundanos - com direito a referências ao cramulhão em "Hang You from the Heavens" -, boas doses de blues - em " Will There Be Enough Water?" -, mas junta a isso efeitos e vocais falados, como acontece em "Treat Me Like Your Mother".
Apesar da alta carga energética de canções como "60 Feet Tall", que tem cara de uma jam entre amigos, e "Bone House", "Horebound" não é do tipo que estoura nas paradas de sucesso. É um álbum feito para um público específico: os já fãs dos músicos envolvidos e os saudosistas do estilo garageiro - que gostarão especialmente se ouvirem antes de saber quem toca no álbum.
Além das canções acima citadas, a bela versão para "New Pony", música de Bob Dylan, também merece menção. Enquanto diversos artistas alternativos trocam as guitarras sujas pelos sintetizadores e sonoridades acústicas roubadas do folk, White cisma em correr na direção contrária. E o faz com propriedade.

Faixas do CD:

01. 60 Feet Tall
02. Hang You from the Heavens
03. I Cut Like a Buffalo
04. So Far from Your Weapon
05. Treat Me Like Your Mother
06. Rocking Horse
07. New Pony
08. Bone House
09. 3 Birds
10. No Hassle Night
11. Will There Be Enough Water?

Fonte: Rock on Line

publicado em
04/08/09

The Mars Volta - Octahedron

2009-08-02T06:54:00.000-07:00

Depois do insano "The Bedlam In Goliath", Cedric Bixler-Zavala e Omar Rodriguez-Lopez estão de volta com um álbum quase pop. "Octahedron" é o quinto álbum na carreira do Mars Volta e mostra um lado mais calmo e melódico da banda.
No ano passado, Cedric declarou à imprensa que o novo álbum do Mars Volta seria um acústico. Um acústico na visão peculiar da banda, claro. E é mais ou menos isso que as oito faixas do álbum trazem: uma música cheia de eletricidade, mas que para os padrões do Mars Volta pode ser considerado o disco para tocar no banquinho.
O minuto e meio de silêncio que precede a faixa de abertura, a bela "Since We've Been Wrong", é como uma amostra disso. Só no total silêncio é que o Mars Volta é realmente acústico. Pois essa escolha não impede que a dupla, acompanhada de Isaiah Ikey Owens (teclado), Juan Alderete (baixo), Thomas Pridgen (bateria) e Marcel Rodriguez-Lopez (percussão e sintetizadores), insira seus efeitos e ruídos em meio aos solos e refrãos.
A cara pop de canções como "Desperate Graves" ou "With Twilight as My Guide" pode causar alguma estranheza no fã de longa data, mas não deveria. O verdadeiro fã do Mars Volta deve saber que a banda é dada a todo tipo de experimentação, portanto um álbum como "Octahedron", mais calmo porém não menos intenso que seus antecessores, não podia faltar na discografia.
Sem seguir nenhuma temática específica, "Octahedron" traz referências políticas, pessoais e no geral as letras vêm embaladas numa atmosfera surreal, mórbida e possivelmente perturbada, misturando realidade, fantasia, medos e anseios.
Enquanto "Teflon" e "Cotopaxi" mantêm o ritmo alucinado da banda, canções menos agitadas quebram o estado febril com nuances amenas. E, às vezes, como em "Luciforms", que encerra o disco com seus 3 minutos finais exclusivamente instrumentais com solos de guitarra, teclado e diversos efeitos, essas coisas se misturam. Nesses contrastes residem as qualidades deste álbum. É assim que se manifesta a personalidade da banda. E tudo continua estranho, mas maravilhoso, no mundo do Mars Volta.

Faixas do CD:

01. Since We've Been Wrong
02. Teflon
03. Halo of Nembutals
04. With Twilight as My Guide
05. Cotopaxi
06. Desperate Graves
07. Copernicus
08. Luciforms

Fonte: Rock on Line

publicado em
02/08/09

Jorn - Spirit Black

2009-08-01T05:36:00.000-07:00

“Spirit Black” é o sexto álbum de estúdio do Jorn, banda liderada pelo vocalista norueguês Jorn Lande - sétimo se considerarmos o álbum de ‘covers’ “Unlocking the Past”. Mais uma vez o talentoso cantor nos presenteia com um conjunto de canções em que é praticamente impossível alguém que curta o Heavy Rock dos anos 70 e o Metal dos 80 não adorar.
O novo álbum traz nove faixas na edição padrão e mais um bônus na edição limitada. Como já é de costume, além das faixas próprias e inéditas há também espaço para um ‘cover’, “I Walk Alone”. Confesso que quando li a respeito achei que não ia funcionar bem uma música de Tarja Turunen na voz de Jorn. Grande engano.
A banda conseguiu dar uma cara nova para a música mantendo o clima um tanto sombrio da versão original e acrescentar um peso extra que Tarja nunca teve. Interessante que com essa versão Jorn saiu do óbvio que seria regravar mais uma vez algum dos clássicos das bandas que o influenciou. Por falar nisso, o bônus citado acima é um desses clássicos, “The Sun Goes Down”, do Thin Lizzy.
Mas a música que abre o disco é “Spirit Black”. Para quem conhece o álbum “Dehumanizer” do Black Sabbath não tem como não se lembrar da introdução da primeira música daquele disco, “Computer God”. “Spirit Black” começa bem parecida, com alguns ruídos metálicos e uma introdução de bateria bem ao estilo Vinny Appice. Mas ao entrar a guitarra a coisa muda.
“Spirit Black” traz aquela mistura de Hard Rock com algo de Blues, bem ao estilo da melhor fase do Whitesnake. “Below”, a segunda, continua seguindo a velha escola com um ‘riff’ que traz à lembrança o estilo de Ritchie Blackmore na época do Rainbow.
“Road of the Cross” começa com sons de teclado e um ‘riff’ de guitarra quadrado e cadenciado. Talvez mais alguém lembre de Ronnie James Dio ao ouvir a música. Jorn canta os versos dessa música em tons mais altos do que geralmente costuma apresentar, mostrando sua versatilidade.
Só tem mesmo duas músicas no álbum que não empolgam, “World Gone Mad” e “City in Between”. Fora isso, Jorn conseguiu mais uma vez fazer um ótimo disco com explícitas e sempre bem-vindas influências. Repito o que eu já escrevi sobre ele em outro momento, este cara é o melhor vocalista da atualidade na cena Heavy Metal.

Faixas do CD:

01. Spirit Black
02. Below
03. Road of the Cross
04. The Last Revolution
05. City In Between
06. Rock And Roll Angel
07. Burn Your Flame
08. World Gone Mad
09. I Walk Alone (Tarja Turunen cover)
10. The Sun Goes Down (bônus - Thin Lizzy cover)

Por Eduardo Guimarães

publicado em
01/08/09

Gossip - Music for Men

2009-07-31T06:22:00.001-07:00

O trio indie composto pela pouco convencional vocalista Beth Ditto, pelo guitarrista Brace Paine e pela baterista Hannah Blilie acaba de lançar o quarto álbum da carreira.
Depois do sucesso do 'hit' "Standing in the Way of Control", no qual Ditto defendia os direitos civis dos homessexuais, a banda cresceu em popularidade. A sonoridade de fácil assimilação, que mistura elementos distintos mas complementares como pop, garage rock, pós-punk e efeitos eletrônicos, também ajudou a banda a se fazer ouvir além dos limites da cena independente.
Bem além desses limites, aliás. O novo disco foi lançado por uma grande gravadora, a Columbia Records, e produzido por ninguém menos que Rick Rubin, que já assinou produções de álbuns do AC/DC, Red Hot Chili Peppers, System of a Down, Linkin Park, Audioslave e até Shakira.
"Music for Men" é feito de um pop que não se preocupa com rótulos e fica mais rock como em "8th Wonder" ou em "Spare Me from the Mold" e mais dançante em "Love Long Distance", sem no entanto provocar com isso um desequilíbrio no repertório.
E como todo pop moderno, o Gossip também traz algo dos anos 80 em suas canções. Tem algo que lembra a Cyndi Lauper no Gossip: uma vocalista meio amalucada, algumas batidas... A faixa "Men in Love" é um exemplo dessa semelhança saudável.
Quanto à temática, Beth Ditto canta obsessivamente o amor, especialmente o amor homossexual, levantando a bandeira de toda uma população que quer se expressar. Mas não se trata de um disco que quer chocar a sociedade. É mais ordinário do que isso: é que o amor é complicado seja ele convencional ou não.
Ah, reparem em "2012": o refrão é quase igual "Was Made For Lovin' You", do Kiss. Ou Beth Ditto prestou alguma homenagem ao compor a canção ou sem perceber Paul Stanley influenciou os amores e dissabores da vocalista em algum tempo de sua adolescência.

Faixa do CD:

01. Dimestore Diamond
02. Heavy Cross
03. 8th Wonder
04. Love Long Distance
05. Pop Goes the World
06. Vertical Rhythm
07. Men in Love
08. For Keeps
09. 2012
10. Love and Let Love
11. Four Letter Word
12. Spare Me from the Mold

Por Lizandra Pronin

publicado em
31/07/09

Praying Mantis - Sanctuary

2009-07-30T05:52:00.000-07:00

O Praying Mantis ficou razoavelmente conhecido na cena New Wave of British Heavy Metal nos anos 80, com um som bem melódico, que, neste novo lançamento, aparece mais suave ainda, quase um AOR.
“Sanctuary”, lançado seis anos após o último trabalho de estúdio (“The Journey Goes On”, que contou com o ex-Iron Maiden Dennis Stratton e o ex-Rainbow Doug White), tem produção refinada, que dá um certo toque de classe às músicas, soando claras e límpidas.
Os irmãos fundadores da banda, Tino (guitarra) e Troy (baixo), capricharam nesse quesito e deixaram o peso de lado. As composições lembram o lado mais pop de Rainbow e Def Leppard. E a voz afinada de Mike Freeland se assemelha muito à de Don Dokken, principalmente nos gritos. Completam o time Benjy Reid (bateria) e Andy Burgess (guitarra e teclado).
As guitarras dobradas de Tino e Andy aparecem com abundância no álbum, em linhas longas e harmoniosas, como no início de “Threshold of a Dream”, “Playing God”, “Highway”, e de várias outras.
Todas as faixas são belas e agradáveis para se ouvir, porém, sem nenhum grande destaque. Resumindo, é um trabalho de muito bom gosto, mas que carece de pegada.

Faixas do CD:

01. In Time
02. Restless Heart
03. Tears in the Rain
04. So High
05. Turn the Tide/Lonely Way Home
06. Touch the Rainbow
07. Threshold of a Dream
08. Playing Dod
09. Broken Chains (Japanese release Only)
10. Highway
11. Sanctuary

Por Eduardo Kaneco

publicado em
30/07/09

Kavla - Surreal

2009-07-29T06:29:00.000-07:00

“Surreal” é o novo álbum da banda brasileira Kavla. ‘Novo’ se levarmos em conta que o disco anterior saiu há 10 anos, mas este trabalho está disponível oficialmente desde o final de 2008, porém parece que agora, finalmente, a banda vai se focar na divulgação do trabalho após mudanças de formação.
Todos esses atrasos prejudicam na divulgação do álbum, o que realmente é uma pena, já que “Surreal” é um bom disco de Heavy Metal nacional. O álbum foi produzido por Thiago Bianchi, vocalista do Shaman, e tem uma boa sonoridade, apesar do som do baixo em alguns momentos se sobressair demais, como na faixa de abertura, e às vezes fazer falta.
O que a banda apresenta é um Heavy Metal que às vezes pesa para o tradicional, outras vezes esbarra no Hard Rock, mas no geral trafega pela trilha do Metal melódico sem excessos de virtuosismos exacerbados ou solos intermináveis. O que é algo muito louvável, diga-se de passagem.
“Contradiction”, que abre o disco, já é uma porrada com refrão que deve funcionar bem ao vivo, do tipo pra animar o público e acompanhar o vocalista. Aliás, quem canta neste álbum é Thiago Cicilini, que já não faz mais parte do grupo. Em seu lugar voltou o vocalista original, Gerson Grecco. Na verdade, dos músicos deste álbum, metade já não faz mais parte do Kavla. Além de Cicilini, também deixaram o grupo o tecladista Carlos Ceroni e a baterista Nina Pará que fez um ótimo trabalho em “Surreal”.
Uma das melhores músicas do álbum é “No Answers” que traz um dueto entre Cicilini e Thiago Bianchi. Os dois vocalistas carregam na interpretação da música. O refrão, um pouco mais lento que os versos, é a melhor parte.
“Running From Falling” é para quem gosta do destaque que o teclado tem nas bandas de metal melódico, assim como “Nobody At All”. “Lack of You” é uma balada com um começo meloso demais e cansa. Outra música meio perdida ali no meio é a faixa-título, bem descartável.
“Surreal” é um bom disco e mostra que o Kavla ainda está cheio de energia. Vamos esperar que o grupo consiga manter uma regularidade na sua formação e na produção dos trabalhos.

Faixas do CD:

01. Contradiction
02. No Answers
03. Runnin’from Fallin’
04. Lack of You
05. Follow the Tides
06. A Nostalgic Mind
07. End of File
08. Reach
09. Impersonal World
10. Nobody At All
11. Surrea

Por Eduardo Guimarães

publicado em
29/07/09

Duff McKagan’s Loaded - Sick

2009-07-28T05:32:00.000-07:00

Ex-baixista do Guns n’ Roses surpreende tocando guitarra e cantando em álbum de Punk Rock.

Especulações sobre a volta original do Guns fica cada vez mais distante, quem não quer mais saber é Duff McKagan. O ex baixista do antigo grupo se 'revolta' e lança o primeiro álbum de sua nova banda. Duff pode não ter sido exatamente uma peça fundamental para o sucesso dos Guns n’ Roses, mas todo mundo se lembra da sua imagem e da sua presença de palco. O fato é que, com todas as brigas e turbulências no grupo, o baixista sempre manteve o bom relacionamento com todos e participou de uma quantidade considerável de álbuns de outros artistas e projetos paralelos.
O Duff McKagan’s Loaded é mais um deles e acaba de lançar seu segundo trabalho inédito, sucessor de “Dark Days”, de 2001. Com uma formação completamente diferente (mas que na prática nem faz tanta diferença), McKagan assume os vocais e as guitarras e mostra em “Sick” um Rock n’ Roll cru, direto e com forte influência Punk.
O próprio músico disse que criou o grupo porque estava cansado do som que as bandas em evidência estavam fazendo e queria tocar Rock do seu jeito. Com toda a experiência e talento de McKagan isso significa composições simples e sem grandes pretensões, mas com excelentes melodias e refrãos. O vocal de McKagan, aliás, embora não seja memorável, se encaixa perfeitamente na proposta da banda.
“Sleazy Factory”, “Translucent”, “I See Through You” e a faixa-título são alguns dos destaques. Algumas músicas como “Mothers Day” e “Wasted Heart” têm uma pegada mais introspectiva e também não fazem feio. Mas, obviamente, McKagan se sai melhor no familiar terreno do Punk Rock elétrico e contagiante.
“Sick” é um álbum que, dependendo da abordagem do ouvinte, pode surpreender. Por trás da simplicidade e do espírito despojado, há um som de grande qualidade e bem mais interessante até mesmo do que os trabalhos do Velvet Revolver.

Faixas do CD:

01. Sick
02. Sleaze Factory
03. Flatline
04. IOU
05. The Slide
06. Translucent
07. Mothers Day
08. I See Through You
09. Forgive Me
10. No Shame
11. Blind Date Girl
12. Wasted Heart
13. No More

Por Rafael Sartori

publicado em
28/07/09

Placebo - Battle for the Sun

2009-07-26T06:27:00.000-07:00

Três anos depois do último lançamento, o melancólico e belo "Meds", o Placebo volta reformulado. A banda saiu da EMI e trocou de baterista: Steve Forrest assumiu o posto deixado por Steve Hewitt. O produtor David Bottrill (Tool, Godsmack) foi escolhido para trabalhar no álbum.
O novo álbum traz também uma aura mais alegre do que o grupo costuma apresentar, além da adição de trompetes e saxofone. Mas o que se ouve em "Battle for the Sun" é Placebo, não há como se enganar. O disco, aliás, está mais pesado que seu antecessor. Alguns fãs poderão estranhar e outros ainda irão acusar a banda de se render a isso ou àquilo. Bobagem.
O Placebo buscou um rejuvenescimento, mas não perdeu a personalidade. A voz característica de Brian Molko, as guitarras distorcidas, aquela atmosfera meio cansada das canções estão lá, marcando presença em cada uma das 13 faixas. A diferença, uma delas, é que "Battle for the Sun" segue uma temática, embora não necessariamente conte uma história, sobre escolher a vida e a luz.
"Battle for the Sun" é como um passeio ao sol, como se nota em "Bright Lights" ou em "Breathe Underwater", canções que esbarram na auto-ajuda. Já na faixa título, com suas sílabas repetidas à exaustão, há uma busca pela superação na linha de "I Will Survive" da Gloria Gaynor. Mas claro, com a cara do Placebo.
A intenção, segundo declarou à imprensa o próprio Brian Molko, era falar desse lado mais vibrante da condição humana. Não que a banda abra mão da faceta sombria da existência que sempre povoou as letras e inspirou as melodias do Placebo: "For all the songs I hope to write some day / Looks like the Devil's here to stay" ["Para todas as letras que espero escrever um dia / parece que o demônio veio aqui para ficar", em tradução livre], diz a letra de "Devil in the Details".
No sexto álbum da carreira, o Placebo mantém sua capacidade de emocionar e até desconcertar. E apesar de indicar aqui e ali, como em "Ashtray Heart", uma volta às raízes - esse foi o primeiro nome da banda - é um passo adiante.

Faixas do CD:

01. Kitty Litter
02. Ashtray Heart
03. Battle for the Sun
04. For What It's Worth
05. Devil in the Details
06. Bright Lights
07. Speak in Tongues
08. The Never-Ending Why
09. Julien
10. Happy You're Gone
11. Breathe Underwater
12. Come Undone
13. Kings of Medicine

Por Lizandra Pronin

publicado em
26/07/09

Spinal Tap - Back From the Dead

2009-07-25T06:26:00.000-07:00

O título “Back From the Dead” dá uma boa noção do que é essa volta do Spinal Tap. A banda de mentirinha, criada para um filme e que acabou virando cult e lançando dois álbuns de verdade, em 1984 e 1992, coloca na praça agora esse novo trabalho.
Sob o pretexto de comemorar 25 anos de seu surgimento, eles gravaram cinco faixas inéditas e regravaram alguns dos antigos clássicos. E o negócio é tão bem feito que conta com convidados especiais do porte de Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer), John Mayer, Steve Vai e Phil Collen (Def Leppard).
O grupo conta com o guitarrista Nigel Tufnel, o vocalista David St. Hubbins e o baixista Derek Smalls (respectivamente os atores Christopher Guest, Michael McKean e Harry Shearer) e a lenda Gregg Bissonette na bateria.
A grande diferença do Spinal Tap em relação aos outros grupos é que ele não tem compromisso nenhum, com nada. Podem fazer o que for, já que todo mundo leva na brincadeira. Então, quando alguma coisa é boa, surpreende, é lucro. Se for ruim, é comédia. E também passa a ser bom.
O repertório conta com dezessete faixas, sendo que “Warmer Than Hell”, apresentada ao vivo em 2007 no megaevento Live Earth é um dos destaques. “Rock ‘n’ Roll Nightmare” e a faixa-título são outras boas canções e trazem aquela mesma pegada setentista meio Rock e meio Blues.

Faixas do CD:

01. Tonight I’m Gonna Rock You Tonight
02. Back From the Dead
03. (Funky) Sex Farm
04. Rock ‘n’ Roll Creation
05. Jazz Oddyssey I
06. Gimme Some Money
07. Rock ‘n’ Roll Nightmare
08. Heavy Duty
09. America
10. Jazz Oddyssey II
11. (Listen to the) Flower People
12. Hell Hole
13. Big Bottom
14. Celtics Blues
15. Jazz Oddyssey III
16. Warmer Than Hell
17. Stonehenge
18. Short and Sweet
19. Cups and Cakes

Por Rafael Sartori

publicado em
25/07/09

Loudness - The Everlasting

2009-07-24T05:38:00.000-07:00

“The Everlasting” é o novo trabalho da banda japonesa de heavy metal dos anos 80 Loudness, um álbum póstumo ao falecimento do seu baterista Munetaka Higushi, que morreu em 30 de novembro de 2008, de câncer no fígado.
Munetaka havia deixado a bateria deste álbum gravada e, por isso, ela pôde ser aproveitada durante a produção do disco. Assim, esse é o último lançamento com a formação clássica do Loudness, que conta ainda com o guitar hero Akira Takasaki, o vocalista Minoru Niihara e o baixista Masayoshi Yamashita.
As composições de “The Everlasting” se afastam da modernidade que marcou alguns dos últimos lançamentos do Loudness e se aproximam mais do speed e classic metal que a banda fazia nos anos 80. Essa aproximação fica mais evidenciada por causa do vocal de Minoru, que sempre teve uma pronúncia em inglês difícil de decifrar e uma voz pouco potente, mas isso tudo faz parte da característica da banda.
São típicas canções do Loudness: “Flame Of Rock”, “I Wonder”, “Let It Rock”, “Rock Into The Night”. “Thunder Burn” traz elementos novos ao som do Loudness. O baixo está na cara e a guitarra é tocada com slaps jazzísticos.
O que também é novo é o tom mais soturno, como do Black Label Society, em algumas canções - por exemplo, em “Desperate Religion”, “The Everlasting”, “Crystal Moon” e em alguns trechos de “Hit The Rails”, que é mais pesada do que o Loudness que todos conhecem.
Para quem curte o guitarrista Akira Takasaki, os solos de “Flame Of Rock”, “The Everlasting” e as frases no estilo de Randy Rhoads em “I Wonder” são um presente. “Life Goes On” é uma balada em homenagem ao falecido baterista Munetaka.
Enfim, “The Everlasting” não é um daqueles clássicos do heavy metal que a banda gravou nos anos 80, mas é uma despedida de qualidade da formação original.

Faixas do CD:

01. Hit The Rails
02. Flame Of Rock
03. I Wonder
04. The Everlasting
05. Life Goes On
06. Let It Rock
07. Crystal Moon
08. Change
09. Rock Into The Night
10. I'm In Pain
11. Thunder Burn
12. Desperate Religion

Por Eduardo Kaneco

publicado em
24/07/09

The Lou Gramm Band - The Lou Gramm Band

2009-07-22T05:29:00.000-07:00

Você pode achar que não conhece Lou Gramm, mas com certeza já ouviu algumas de suas canções. Ele foi por muito tempo vocalista do Foreigner, grupo que emplacou ‘hits’ naquele estilo Antena 1 e Alpha FM como “I Want to Know What Love Is”, “Cold As Ice” e “A Girl Like You”.
Depois de muitas idas e vindas com o Foreigner, alguns outros projetos e de se lançar em carreira solo, o músico apresenta agora a Lou Gramm Band, formada ao lado dos irmãos Ben e Richard na bateria e baixo, respectivamente, além de Andy Knoll nos teclados e Don Mancuso nas guitarras.
O álbum homônimo tem uma sonoridade já conhecida dos fãs do vocalista. Baladas com boas melodias, alguns ‘riffs’ um pouco mais puxados para o Rock, mas sem a mesma inspiração do Foreigner. Tudo é bem costurado e acessível, com destaque óbvio para as interpretações de Lou.
A grande diferença aqui é a temática cristã do disco. Talvez por ter superado alguns problemas de ordem pessoal nos últimos tempos como o falecimento dos pais e um tumor cerebral, o vocalista acabou se envolvendo mais profundamente com a religião e isso reflete nas letras, ainda que o instrumental tenha preservado boa parte de suas antigas características.
“Baptized By Fire”, “Willing To Forgive”, “Rattle Yer Bones” e “So Great” são alguns dos destaques e trazem sintetizadores, aquele “drivezinho” ofensivo de guitarra e bons refrãos. Mas no geral o repertório soa um pouco repetitivo, especialmente se você começar a prestar atenção nas pregações de Lou. De qualquer maneira é bom vê-lo se ocupando e fazendo música com os irmãos.

Faixas do CD:

01. Baptized By Fire
02. Made To Be Broken
03. Willing To Forgive
04. That's The Way God Planned It
05. (I Just Wanna) Testify
06. So Great
07. Redeemer
08. Single Vision
09. Rattle Yer Bones
10. You Saved Me

Por Rafael Sartori

publicado em
22/07/09

Sonic Youth - The Eternal

2009-07-21T05:46:00.000-07:00

Demorou 3 anos, mas os fãs já podem ouvir aquela mistura tão agradável de rock, punk, pop e experimentalismo. E para alegria dos alternativos de plantão, a banda voltou a se lançar por um selo independente, o Matador Records. Não que o Sonic Youth tenha, algum dia, se rendido ao chamado 'mainstream', mas voltar ao reduto é sempre refrescante: é como voltar para casa depois de muito tempo fora.
O produtor John Agnello - que mixou o recente álbum do Dinosaur Jr e co-produziu "Rather Ripped" do próprio Sonic Youth - reforça a busca da banda por se manter firme e forte como um dos grandes nomes da música alternativa. Outro ponto que segue essa linha é a participação de Mark Ibold, baixista do Pavement, na banda desde a turnê de "Rather Ripped".
A sonoridade do novo lançamento não abre mão daquela aura indie cheia de distorções, o que os mantém sempre jovens por mais que os anos cismem em passar. As fontes nas quais o quinteto nova iorquino, liderado pela dupla Thruston Moore e Kim Gordon, bebe continuam ricas. Há uma referência a Gregory Corso, escritor no qual a canção "Leaky Lifeboat" foi inspirada. "Sacred Trickster" é dedicada ao pintor Yves Klein e ao artista Noise Nomads. E há muitas outras referências.
O que pode atrapalhar a audição de "The Eternal", como sempre acontece com bandas deste tipo, é a expectativa: se você espera um bom álbum do Sonic Youth, vai adorá-lo. Mas se você espera uma revolução musical, esqueça. "The Eternal" tem um quê saudosista e mostra a banda em ótima forma, mas não é assustador como o Sonic Youth já foi um dia. Até porque, há muito, o Sonic Youth é influência para diversas bandas de rock e seu jeitão se espalhou pela música.
Com um repertório uniforme, que não oscila muito, "The Eternal" só reafirma o que todo fã nunca cansa de saber: depois de 30 anos e tantos álbuns, as músicas continuam deliciosamente barulhentas.

Faixa do CD:

01. Sacred Trickster
02. Anti-Orgasm
03. Leaky Lifeboat (For Gregory Corso)
04. Antenna
05. What We Know
06. Calming The Snake
07. Poison Arrow
08. Malibu Gas Station
09. Thunderclap For Bobby Pyn
10. No Way
11. Walkin Blue
12. Massage The History

Por Lizandra Pronin

publicado em
21/07/09

Chickenfoot - Chickenfoot

2009-07-20T06:29:00.000-07:00

O Chickenfoot não é um nome que você espera ver em um grupo de Rock. Mas essa “gracinha” fica totalmente em segundo plano quando vem a informação do ‘line up’: Sammy Hagar no vocal, Michael Anthony no baixo (ambos ex-Van Halen), Joe Satriani na guitarra e o baterista Chad Smith. (Red Hot Chilli Peppers).
O projeto, que começou como brincadeira e algumas ‘jam sessions’ se transformou em uma banda de verdade e o primeiro álbum, homônimo, acaba de ser lançado. Embora sejam todos grandes veteranos astros do Rock, o som do Chickenfoot soa bastante jovem, empolgado. Dá pra ver que eles estão realmente gostando dessa história toda.
Mas de nada adiantaria montar um supergrupo sem boas canções. O Chickenfoot, felizmente, conseguiu fazer boas melodias e riffs. O som é um Hard Rock descontraído, cheio de groove. Às vezes sobressai um ar setentista enquanto em outras aparece uma pegada meio funk ou meio blues. O entrosamento entre os músicos é excelente e as coisas funcionam tão bem justamente porque ninguém quer aparecer mais que os outros. As composições, aliás, são bem simples, com exceção de algumas estripulias de Satriani.
“Avenida Revolution”, “Sexy Little Thing”, “Oh Yeah”, “My Kinda Girl” e “Down the Drain” são alguns dos destaques. O produtor Andy Johns, que já trabalhou com Van Halen, Satriani e mais uma lista enorme de gente importante, entendeu bem o espírito da coisa, o que fez toda a diferença no disco.
Embora o álbum tenha ido bem nos Estados Unidos, a crítica ficou bem dividida. Alguns veículos mais tradicionais massacraram o álbum enquanto outros elogiaram demasiadamente. É fato que juntar músicos dessa magnitude em uma única banda gera muita expectativa e, para alguns, a obrigação de criar algo genial e fantástico. O Chickenfoot, porém, soa apenas como uma reunião de amigos que querem se divertir.

Faixas do CD:

01. Avenida Revolution
02. Soap on a Rope
03. Sexy Little Thing
04. Oh Yeah
05. Runnin’ Out
06. Get It Up
07. Down the Drain
08. My Kinda Girl
09. Learning to Fall
10.Turnin’ Left
11.Future in the Past

Por Rafael Sartori

publicado em
20/07/09

Cheap Trick - The Latest

2009-07-19T06:13:00.000-07:00

Conhecida por aqui e conhecidíssima nos EUA, esta veterana banda setentista de maneira inexplicável jamais recebeu, por parte da crítica, o devido reconhecimento que merecia ter.
Robin Zander (vocais), Rick Nielsen (guitarras), Tom Petersson (baixo) e Bun E. Carlos (bateria) uniram o Rock e o Punk em embalagem Pop despretensiosa e não descartável como nenhuma outra banda. E a extensa trajetória que inclui álbuns antológicos e ‘hits’ memoráveis, parece ainda estar longe de ter chegado ao seu final. Pelo menos é o que este novo álbum sugere.
“The Latest” é uma aula destes veteranos. Tamanha a adrenalina, tem-se a impressão de que é um trabalho de garotos novatos que iniciam suas carreiras, não fosse a maturidade e a coesão apresentada na sonoridade da banda. São músicas bem construídas, com arranjos elaborados mas que soam simples. A sintonia de Carlos e Petersson, os ‘riffs’ e solos facilmente reconhecíveis de Nielsen e a voz ímpar de Zander são características que se mantêm impressionantemente intactas ao longo do tempo.
Destaques para a faixa de abertura “Sleep Forever”, “Miss Tomorrow”, “Everybody Knows” e ainda para “Alive”. “The Latest” é desde já, fortíssimo candidato a um dos melhores lançamentos deste ano.

Faixas do CD:

01. Sleep Forever
02. When The Lights Are Out
03. Miss Tomorrow
04. Sick Man of Europe
05. These Days
06. Miracle
07. Everyday You Make Me Crazy
08. California Girl
09. Everybody Knows
10. Alive
11. Times of Our Lives
12. Closer, The Ballad of Burt and Linda
13. Smile

Por Maurício Kenzil

publicado em
19/07/09

Cachorro Grande - Cinema

2009-07-17T06:22:00.000-07:00

Queridinho na cena nem tão alternativa nacional, o Cachorro Grande chega ao 5º álbum da carreira, "Cinema", com algumas novidades em sua sonoridade: suas influências pularam uma década. É verdade que musicalmente não há nada de realmente inédito na música que a banda apresenta neste álbum, mas certos elementos que se ouvem em "Cinema" soarão bem diferentes para quem acompanha a banda desde o início. Como os próprios integrantes andaram declarando, Pink Floyd e Led Zeppelin foram referências para as novas composições. Com essa idéia na cabeça, a banda gravou o álbum com equipamento totalmente analógico e com instrumentos 'vintage' - tudo para criar um clima rock n' roll anos 70. E isso é nítido ao ouvir as canções que compõe o repertório com suas guitarras ecoando, teclados Hammond fazendo viajar e sons inusitados inseridos nas faixas. Entre o extremo e apurado trabalho que a produção exigiu e o ar despojado que o resultado mostra, as canções podem causar reações diversas. Para o fã de carteirinha, o descoladinho, tudo será uma maravilha. Para outros, talvez, "Cinema" tenha algo de desconexo ou deslocado. Não que seja um álbum ruim. De modo algum. Canções como "Diga o que Você Quer Escutar", "Luz", "Ninguém Mais Lembra de Você" e "O Tempo Parou" certamente estão entre as grandes composições do grupo. Outras, no entanto, como a esquisita e chatinha "Eileen" e "Ela Disse", parecem menos inspiradas e talvez não acompanhem o pique do restante do álbum. Uma coisa que deve ser destacada, sempre, quando se fala nos gaúchos é sua opinião sobre sua música: eles não se rendem a nenhuma brasilidade forçada, daquela que coloca um berimbau no meio da canção só para conquistar a crítica. Fazem rock e não tem vergonha disso.

Faixas do CD:

01. O Tempo Parou
02. Dance Agora
03. Amanhã
04. Por Onde Vou
05. A Alegria Voltou
06. A Hora do Brasil
07. Diga o que Você Quer Escutar
08. Ela Disse
09. Ninguém Mais Lembra de Você
10. Luz
11. Eileen
12. Pessoas Vazias

Por Lizandra Pronin

publicado em
17/07/09

Dinosaur Jr. - Farm

2009-07-15T08:53:00.000-07:00

Com ou sem duplicação nas camadas de som, “Farm” soa barulhento e distorcido. É que o novo disco do Dinosaur Jr. chegou às lojas européias com problemas de áudio produzidos por uma falha na mixagem.
Pelo inconveniente, a banda pediu desculpas e ofereceu um ‘ringtone’ para quem quiser efetuar a troca. Corre o risco dos álbuns defeituosos virarem item de colecionador.
Formada em 1984, a banda passou por um período inativo nos anos 90 mas desde 2005, quando os primeiros álbuns da banda foram relançados, o trio J Mascis, Lou Barlow e Murph se reuniu para shows. Dois anos mais tarde um álbum inédito chega ao mercado: “Beyond”. A crítica e os fãs aprovaram. Agora, o nono álbum da discografia da banda, “Farm”, dá seqüência a essa grande volta.
“Farm” traz a sonoridade alternativa e grunge que influenciou tantas bandas no início dos anos 90 - com guitarras sujas, uma coisa meio punk, mas que faz referência direta ao chamado classic rock. Mesmo sendo incontestavelmente um álbum de rock, há uma veia pop que torna as canções palatáveis a diversos gostos: as melodias de “Farm” ficam na cabeça. É o caso de “Over It”, com seu refrão cantarolável e guitarras vibrantes durante seus quase 4 minutos.
Das 12 canções que compõem o repertório, todas merecem ser citadas, pois “Farm” é bom do começo ao fim, sem faixas para pular ou momentos dispensáveis. Os solos de “Friends” e “Said The People”, o clima denso em “Imagination Blind”, assim como o ritmo pulsante de “Pieces” e “There’s No Here”, produzem em qualquer amante de rock um sentimento de pertença, como uma prova de que o estilo se mantém vivo. Bem vivo.

Faixas do CD:

01. Pieces
02. I Want You To Know
03. Ocean In The Way
04. Plans
05. Your Weather
06. Over It
07. Friends
08. Said The People
09. There’s No Here
10. See You
11. I Don’t Wanna Go There
12. Imagination Blind

Por Lizandra Pronin

publicado em
15/07/09

Chris Laney - Pure

2009-07-14T09:40:00.000-07:00

O sueco Chris Laney é reconhecido como um compositor de mãos cheias e já atuou nessa função ao lado de Bruce Kulick, e, ainda acrescentando o cargo de guitarrista, gravou os discos “Violent New Breed” (2006) e “Virus” do Randy Piper’s Animal (a banda solo do ex-guitarrista do WASP), e outros dois da Zan Clan, banda do vocalista conterrâneo Zinny Zan.
Em “Pure”, seu primeiro álbum solo, Chris Laney recrutou vários colegas da cena glam rock sueca. Os companheiros do Zan Clan formam a cozinha da banda: J. Koleberg na bateria e Nalle Grizzly Pahlsson no baixo.
Os outros instrumentos e o vocal ficam por conta de Chris Laney. Claro que há músicos convidados que participam do disco, incluindo o próprio Zinny Zan (que divide o vocal em “I Hate Yer Guts”), Vic Zino do Hardcore Superstar, Martin Sweet do Crashdiet, Nick Draglor, Rob Love, John Saphyre, Anders Ringman, Lennart Östlund e Mats Levén. E o resultado da reunião dessa turma de amigos é um ótimo álbum de hard rock.
A voz de Chris Laney soa mais rasgada do que o padrão dos vocalistas de hard rock, o que dá um toque mais visceral às suas composições, que poderiam tender para o pop se tivessem outra pegada, de tão melodiosa que são. Chris Laney cantando lembra Blackie Lawless, do WASP. Essa semelhança está clara em “Situation”.
A força do compositor está em canções como “I Dunno”, com seu refrão grudento e com pegada, “The Stranger In You”, um som ala Alice Cooper dos anos 80, “Get U Down”, que lembra Def Leppard, “Pissed At What Ya Missed”, um Ratt típico, “Make My Day”, outra com refrão marcante. “Last Man Standing”, a melhor do álbum, lembra Kiss do “Crazy Nights”. E tem também “Skin On Skin”, uma belíssima balada com refrão com muito ‘punch’.
Enfim, um álbum recheado de ótimas composições e com produção caprichada.

Faixas do CD:

01. Situation
02. I Dunno
03. Make You Cry
04. The Stranger In You
05. Fire & Ice
06. I Hate Yer Guts
07. Get U Down
08. Pissed At What Ya Missed
09. Make My Day
10. Last Man Standing
11. Skin On Skin
12. Pride B 4 The Fall

Por Eduardo Kaneco

publicado em
14/07/09

Schenker Barden - Gipsy Lady

2009-07-13T12:33:00.000-07:00

O Schenker Barden até poderia ser mais um álbum na discografia do Michael Schenker Group (MSG), uma vez que é resultado da parceria entre dois dos principais membros do grupo, o guitarrista alemão Michael Schenker e o vocalista Gary Barden. E mesmo que na capa esteja o logotipo do MSG, eles optaram por divulgar o disco sob Schenker Barden Acoustic Project. Talvez porque, como o nome já entrega, o fato de esse ser um disco acústico fuja um pouco das características do Hard Rock que fazem.
“Gipsy Lady”, como foi intitulado o trabalho, traz baladas com influências diversas. Algumas canções têm harmonias e solos mais puxados para o flamenco, como a faixa-título, enquanto outras contam com arranjos de cordas e flautas naquele estilo “bardo europeu medieval”. Nessa linha estão “Fight for Freedom” e “The Journey”. Até tango tem e “Night Of Stare” é a prova.
O fato é que essa idéia, que poderia soar ingênua ou forçada na mão de muitos músicos, é executada com muita competência e talento pela dupla. Schenker e Barden são entrosados e não precisam de muito para fazer ótimas canções. Os violões de um se encaixam perfeitamente com a voz do outro, dando vida e profundidade às melodias.
Embora as músicas mais românticas estejam bem representadas (“Hungry”), é bom ressaltar “Gipsy Lady”, embora acústico, não é um álbum meloso nem parado. Para os fãs de Schenker, ainda há as instrumentais “El Grande” e a já citada “The Journey”.
O guitarrista e o vocalista contaram com o acompanhamento de Kai Luennemann na bateria e percussão, além do produtor, guitarrista, baixista e tecladista Michael Voss. Schenker Barden é um projeto interessante, com um “quê” de étnico e que pode abrir um pouco a mente e os ouvidos dos fãs mais radicais.

Faixas do CD:

01. Lost
02. Dance Lady Gipsy
03. All Of My Life
04. Fight For Freedom
05. El Grande
06. Starting Over
07. Can’T Live On Love Alone
08. Another Melody
09. Travelled So Far
10. Hungry
11. Night Of The Stare
12. The Journey

Por Rafael Sartori

publicado em
13/07/09

Marty Friedman - Tokyo Jukebox

2009-07-08T07:27:00.000-07:00

Os japoneses são um dos povos que mais sabem reconhecer e valorizar talentos, seja no trabalho, no esporte ou nas artes. Como Marty Friedman sempre foi um músico acima da média e com um equilíbrio espantoso entre técnica e sensibilidade, desde jovem se tornou uma espécie de mito em terras nipônicas.
E esse é um caso de amor recíproco. Logo após deixar o Megadeth, Friedman se mudou de vez para o Japão, onde passou a trabalhar com artistas locais e a se envolver integralmente com a cultura. O resultado disso é “Tokyo Jukebox”, o mais novo lançamento do guitarrista.
O repertório nada mais é do que uma coleção de ‘hits’ do Rock e do Pop japonês, os chamados J-Rock e J-Pop. A capa traz Marty Friedman caracterizado e as músicas foram escolhidas em parte pelo próprio músico e em parte por leitores de uma revista oriental.
Antes de o leitor arregalar os olhos, porém, é bom ressaltar que Friedman fez versões bastante particulares dessas faixas. Isso quer dizer que o álbum é instrumental, com bases pesadas, solos incríveis, passagens suaves, além de toques eletrônicos e futuristas.
O disco abre de forma veloz com “Tsume Tsume Tsume”, do Maximum The Hormone, uma banda meio Nu Metal de lá, que lembra até o Slipknot e o System of a Down. Assim, a versão de Friedman nos remete aos bons tempos do Cacophony. As canções, no entanto, são variadas e há um bom punhado de baladas, outras que ficaram com a cara das composições solo mais atuais do guitarrista e algumas com temas típicos e folclóricos, que lembram aberturas de seriados japoneses.
“Tokyo Jukebox” agradará os guitarristas com suas distorções, solos dobrados, pegada inconfundível e timbres na medida, mas também tem o poder de prender a atenção do ouvinte comum, especialmente nas músicas mais calmas. Destaque para “Eki”, “Amagigoe”, “Romance no Kamisama” e “Asu e no Sanka”. E o melhor é que nem é preciso conhecer as originais. As versões de Marty Friedman bastam.

Faixas do CD:

01. Tsume Tsume Tsume
02. Gift
03. Amagigoe
04. Story
05. Polyrhythm
06. Kaeritakunattayo
07. TSUNAMI
08. Yuki no Hana
09. Eki
10. Sekai ni Hitotsu dake no Hana
11. Romance no Kamisama
12. Asu e no Sanka

Por Rafael Sartori

publicado em
08/07/2009

Johnny Lima - Livin’ Out Loud

2009-07-07T09:53:00.000-07:00

Saudades dos anos 80? A hora é agora: tire do armário sua calça de couro, suas botas cowboy, seus inúmeros adereços - anéis, brincos, correntes e pulseiras - e dê aquele trato na cabeleira. Não esqueça a bandana!
O tempo parou para este português radicado nos EUA. Pelo menos é o que demonstram os quatro álbuns de sua discografia, incluindo-se este lançamento, que traz o melhor do Hard Rock oitentista.
Nostalgia à parte, o cara é bom mesmo. Seja como cantor, compositor ou produtor musical, Johnny Lima esbanja competência. Sabe construir uma muralha sonora com bateria e baixo bombando. Sabe tocar os corações femininos com baladas grudentas, sabe criar ‘riffs’ e solos de guitarra pegajosos e refrão insuportavelmente acessíveis.
Agora que Bon Jovi e Def Leppard foram para o Country, que Bret Michaels (Poison) virou estrela de reality show e outras bandas do estilo se aposentaram, os fãs do gênero podem comemorar.
Destaques para a faixa de abertura “All I Wanna Do”, “Hate To Love You”, “Still Waiting For You” e para “Hard To Say Goodbye”.
Destaques também para os músicos que o acompanham, o baterista Bernie F. Diaz e o guitarrista Craig Takeshita, e para os músicos adicionais, os guitarristas Danny Danzi e Christian Wolff e o vocalista Brandon Baumann que gravou ‘backing vocals’ no álbum.
“Livin’ Out Loud” é um ótimo álbum, agradavelmente datado, legitimamente anos 80.

Faixas do CD:

01. All I Wanna Do
02. Wildflower
03. Hate To Love You
04. I’m On Fire
05. Somebody To Love
06. Caught In The Middle
07. Gimme Some Rock, So I Can Roll
08. Livin’ Out Loud
09. Still Waiting For You
10. Long Way Down
11. Hard To Say Goodbye
12. ‘Til Love Is Gone
13. Nowhere Left To Go

Por Maurício Kenzil

publicado em
07/07/2009

Raven - Walk Through Fire

2009-07-06T06:59:00.000-07:00

Os fãs mais novos de metal talvez não saibam que a New Wave of British Heavy Metal foi muito mais do que apenas Iron Maiden. Obviamente a banda de Steve Harris se tornou a mais famosa e com maior número de fanáticos em todo o mundo, mas houve inúmeros outros grupos que - mesmo não tendo a mesma projeção - foram importantes naquele momento da história do metal. O Raven é um desses grupos.
Formado na segunda metade dos anos 70 e com 12 álbuns de estúdios lançados, o nome do Raven acabou ficando longe dos holofotes ao lado de outras bandas da época como Diamond Head e os holandeses do Picture. O novo disco, “Walk Through Fire”, é um marco na carreira da banda por ser o retorno do grupo com material inédito após nove anos sem lançar um álbum.
O que se ouve em “Walk Through Fire” é um heavy metal um tanto cru, cheio de energia e empolgante, assim como foi no início dessa história toda. Portanto, não espere virtuosismos gratuitos, duelos de guitarra e teclado ou vocais em falsete durante toda a música. Bom, em relação ao vocal é verdade que John Gallagher, que também é o baixista, em vários momentos exagera em seus gritinhos, mas nada parecido com ‘kotipeltos’ ou ‘labries’ da vida.
Gallagher, seu irmão Mark (guitarra) e Joe Hasselvander (bateria), apesar de já estarem na casa dos 50, mostram que ainda conseguem compor boas músicas e, pelo menos no estúdio, continuam em forma. São ‘riffs’ rápidos e bateria pesada e certeira. Mas também é verdade que não há nada de extraordinário entre as 15 músicas que compõem a versão japonesa de “Walk Through Fire”.
Obviamente o disco traz seus destaques, como a ótima “Breaking You Down”, a cadenciada “Bulldozer”, “Long Day’ Journey”, que no início lembra um pouco AC/DC, a rápida “Attitude” e a excelente “Armageddon”. Um bom disco de heavy metal, sem frescuras.

Faixas do CD:

01. Intro
02. Against the Grain
03. Breaking You Down
04. Under Your Radar
05. Walk Through Fire
06. Bulldozer
07. Long Day’s Journey
08. Trainwreck
09. Grip
10. Running Around in Circles
11. Hard Road
12. Armageddon
13. Attitude
14. Necessary Evil (Japan Only)
15. Space Station #5 (Montrose)

Por Eduardo Guimarães

publicado em
06/07/2009

Vinnie Moore - To the Core

2009-07-04T06:34:00.000-07:00

Antes de tudo, é bom esclarecer: Vinnie Moore é um dos maiores guitarristas da história. Conhecido do grande público por suas passagens pelo Vicious Rumors, Alice Cooper e por ter se tornado integrante do UFO, ele tem uma brilhante carreira solo e já era ídolo dos guitarristas e amantes de música instrumental desde os idos dos anos 80.
“To the Core” é mais um capítulo na discografia do músico, gravado durante os intervalos das turnês do UFO, grupo do qual ainda faz parte. A sonoridade aqui é um pouco diferente da que os fãs estão acostumados e isso está longe de ser um defeito. Afinal, Vinnie Moore sempre foi um sujeito eclético, capaz de passear por Rock, Metal, Progressivo, Hard Rock, Neoclássico, Jazz entre outros estilos com a maior desenvoltura.
No álbum em questão, o guitarrista acaba misturando tudo isso. Algumas músicas como “Fly”, “Jigsaw” e “Into the Open” trazem ‘riffs’ pesados e cheios de distorção, seguidos de passagens cheias de ‘groove’. Os solos rápidos e técnicos dividem espaço com levadas ‘swingadas’ e temas puramente emocionais como “Over My Head” e “Into the Sunset”. Vale destacar também o ‘feeling’ do dueto entre guitarra e saxofone em “Soul Caravan”.
A nova faceta de Vinnie Moore apresentada aqui é sua aproximação com alguns elementos de R&B e Hip Hop, além de algumas percussões - “Transcedence”, por exemplo. A produção, feita pelo próprio músico, é detalhada e as faixas mudam bastante, trazendo timbres e takes diversos de guitarra. O trio que o acompanha é formado por Van Romaine na bateria, John J.D. DeServio no baixo e Tim Lehner no teclado.
Vinnie Moore não lançava nenhum álbum solo desde “Defying Gravity”, de 2001. A espera, no entanto, compensou. Em “To the Core”, o guitarrista mostra que continua capaz de surpreender e oferecer algo relevante e criativo, diferentemente da maioria de seus contemporâneos que acabaram se tornando apenas “fritadores”.

Faixas do CD:

01. Fly
02. Panic Attack
03. Off The Hook
04. Transcendence
05. Soul Caravan
06. Jigsaw
07. Remorse
08. Tailspin
09. Over My Head
10. Into the Open Highway
11. Into the Sunset

Por Rafael Sartori

publicado em
03/07/2009

Meat Puppets - Sewn Together

2009-07-03T05:53:00.000-07:00

São quase trinta anos de carreira, 12 álbuns e a honra - ou não - de ser uma das bandas preferidas do falecido Kurt Cobain, o que lhes confere certa influência no tal grunge. Alguém ainda se lembra disso? Pois bem, “Sewn Together” é o novo álbum do Meat Puppets, o segundo após a reunião dos irmãos Curt e Cris Kirkwood. Se você curte essas bandas alternativas e esse pessoal pré-grunge, “Sewn Together” pode ser um disco que te anime, caso contrário, não perca seu tempo. A experiência de três décadas é perceptível nas composições que se mostram maduras e originais. As músicas mantém o nível durante a execução, sem grandes destaques. A faixa-título chama a atenção por trazer alguma influência de country e bluegrass. “Blanklet of Weeds” é provavelmente a que mais segue a cartilha dos contemporâneos do Meat Puppets do final dos anos 80 e início dos 90, com a guitarra mais estridente e barulhenta. A levada country volta a dar as caras em “I’m Not You”, mas o auge do disco é com a quarta música, “Shappire”, bonita balada cheia de detalhes que ganha força no refrão. Ainda que algumas sonoridades lembrem outros estilos, obviamente este é um disco de rock e a banda mostra isso em “Rotten Shame”, a faixa mais agitada do disco. Curioso que ao ouvir a guitarra da introdução da última faixa, “Love Mountain”, me veio à cabeça Titãs... mas é apenas uma pequena semelhança no ‘riff’ inicial. Depois ela fica tão chata quanto a atual fase dos Titãs. É bacana ver que a banda está com gás para reivindicar o espaço que teve graças à propaganda que ganharam de Cobain nos anos 90. O disco traz músicas interessantes com arranjos diferenciados e momentos que prendem a atenção. Mas, como já disse lá em cima, recomendado só mesmo para quem já sabe que gosta.

Faixas do CD:

01. Sewn Together
02. Blanket Of Weeds
03. I’m Not You
04. Sapphire
05. Rotten Shame
06. Go To Your Head
07. Clone
08. Smoke
09. S.K.A.
10. Nursery Rhyme
11. The Monkey And The Snake
12. Love Mountain

Por Eduardo Guimarães

publicado em
03/07/2009

Graham Coxon - The Spinning Top

2009-07-02T06:02:00.000-07:00

Graham Coxon ficou conhecido na cena por ser o guitarrista do Blur, banda de Pop Rock britânica que emplacou alguns ‘hits’ nos anos 90. O músico faz o estilo nerd, Indie, alternativo e já tem alguns álbuns solo. “The Spinning Top” é o mais recente deles.
A sonoridade ainda é Pop em sua essência, mas apresentada em um formato predominantemente acústico, conservador, com elementos de Country e Folk. Vez ou outra uma guitarra “explode”, ou a coisa fica mais quente, mas são momentos isolados.
O repertório traz algumas boas baladas como em “In the Morning”, “Home” e “November”, além de outras mais puxadas para o estilo do Blur como “Humble Man” e “Dead Bees”.
O problema é que são 15 faixas, mais de uma hora de música. Lá na metade do disco tudo parece estar se repetindo, a soar igual e, verdade seja dita, a voz de Graham Coxon é bem chata. A produção certinha de Stephen Street, que trabalha com o próprio Blur, só deixou as coisas mais previsíveis.
“The Spinning Top” não é um álbum ruim, mas ao mesmo tempo é completamente dispensável. Talvez com um repertório reduzido a 10 faixas, a impressão final seria outra. Mas do jeito que está, é melhor ouvir apenas os destaques e ficar atento à volta do Blur.

Faixas do CD:

01. Look Into The Light
02. This House
03. In The Morning
04. If You Want Me
05. Perfect Love
06. Brave The Storm
07. Dead Bees
08. Sorrow’s Army
09. Caspian Sea
10. Home
11. Humble Man
12. Feel Alright
13. Far From Everything
14. Tripping Over
15. November

Por Rafael Sartori

publicado em
02/07/2009

Rancid - Let The Dominoes Fall

2009-07-01T06:28:00.000-07:00

Foram longos 6 anos de espera... Durante este período, desde “Indestructible” (2003), Tim Armstrong e Lars Frederiksen se envolveram com projetos paralelos , The Transplants e Lars Frederiksen & The Bastards respectivamente.
O baterista e um dos fundadores da banda Brett Reed comunicou sua saída (Branden Steineckert o substituiu) e pouco se teve notícia sobre Matt Freeman.
Então, em 2008, Armstrong decidiu retomar as atividades e logo o quarteto norte-americano da Califórnia se trancou no estúdio com o produtor e parceiro de longa data Brett Gurewitz. Seis meses depois, este álbum estava pronto.
“Let The Dominoes Fall”, 7º álbum na discografia, não corresponde às expectativas dos fãs. São 19 faixas que resumem bem a trajetória do grupo, trazendo o Punk cheio de adrenalina que o consagrou. Mas soam como se fossem “b-sides” ou sobras de estúdio.
Ao ouvi-las, a sensação é de há sempre algo similar e melhor nos álbuns anteriores. Ainda assim há alguns destaques: “New Orleans”, “Civilian Ways” e “Dominoes Fall”.
“Let The Dominoes Fall” não é um álbum ruim, mas é muito pouco para uma das bandas mais respeitadas do Punk Rock norte-americano.

Faixas do CD:

01. East Bay Night
02. This Place
03. Up To No Good
04. Last One To Die
05. Disconnected
06. I Ain’t Worried
07. Damnation
08. New Orleans
09. Civilian Ways
10. The Bravest Kids
11. Skull City
12. L.A. River
13. Lulu
14. Dominoes Fall
15. Liberty and Freedom
16. You Want It, You Got It
17. Locomotive
18. That’s Just The Way It Is Now
19. The Highway

Por Maurício Kenzil

publicado em
01/07/09

UFO - The Visitor

2009-06-30T08:30:00.000-07:00

Quando alguém resolve fazer uma lista de “bandas injustiçadas” no Rock, o UFO quase sempre dá o ar de sua graça, e em posições de destaque. Isso porque o grupo está fazendo nada menos que 40 anos de estrada e em todo esse tempo nunca conseguiu alcançar o ‘mainstream’ no gênero, mesmo com ótimos discos. É um daqueles grupos que tem um público seleto, formado por outros músicos e artistas, e que mais influencia outras bandas do que conquista um grande número de fãs.
Agora, o UFO lança “The Visitor”, mais um álbum calcado no Hard Rock e no Blues. O guitarrista Vinnie Moore, que já tinha uma sólida e reconhecida carreira solo, continua mostrando total desenvoltura e competência no posto, com ‘riffs’ interessantes e solos na medida.
As faixas são simples, bem animadas e com uma pegada anos 70 - de vez em quando lembramos até mesmo do velho Deep Purple. É incrível como os ingleses ainda têm energia e disposição em compor, gravar e fazer shows durante tanto tempo e de forma tão coerente.
“The Visitor” não é nenhum trabalho fundamental e também traz algumas faixas que dão vontade de pular para a próxima antes de terminarem. Mas no geral, é um disco de alta qualidade, com canções acertadas como “Villains & Thieves,” “Rock Ready” e “Hell Driver”.
Vale ressaltar também o excelente trabalho do vocalista Phil Mogg, do tecladista Paul Raymond e do baterista Andy Parker. O baixista Pete Way não participou das gravações por problemas de saúde, e foi substituído por Peter Pichl.

Faixas do CD:

01. Saving Me
02. On the Waterfront
03. Hell Driver
04. Stop Breaking Down
05. Rock Ready
06. Living Proof
07. Can’t Buy a Thrill
08. Forsaken
09. Villains & Thieves
10. Stranger in Town

Por Rafael Sartori

publicado em
30/06/09

Dream Theater - Black Clouds & Silver Linings

2009-06-29T07:08:00.000-07:00

Embora não haja grandes surpresas e o álbum soe muito como a essência do Dream Theater, o trabalho está espetacular. Muito equilibrado, variado em climas e com uma gravação excelente. Esse é também o álbum da banda que mais lembra passagens de Kansas, Rush e Pink Floyd nas composições. “The Count of Tuscony” tem muito de Rush, sendo que logo entra uma pancadaria, muita quebradeira autenticamente de Dream Theater, e depois climas bem Pink Floyd lá pelos 11 minutos, com muito teclado e violões. Lindo demais. A música tem mais de 19 minutos.
“The Best of Times” é extremamente inspirada, uma daquelas composições que valem um CD inteiro. Para melhorar, a partir de 10’20’’, Petrucci faz um dos solos mais lindos que já ouvi. Ouçam que aposto que vão logo querer ouvir o solo e a música toda novamente. Talvez tanta inspiração da banda tenha vindo por se tratar de uma composição em memória do pai do Mike Portnoy, que veio a falecer no fim do ano passado.
Os timbres de guitarra estão espetaculares. São menos agressivos que os de “Train of Thought” ou de “Octavarium” e apresentam aquele peso limpo e suave ao mesmo tempo. John Petrucci utilizou para gravar, dentre outros amplificadores, o novo Mesa/Boogie Mark V, que recria com muita fidelidade o lendário Mark IIC+ e traz essa suavidade pesada.
Houve também o lançamento do ‘single’ “Stargazer”, música do Rainbow. A versão foi muito criticada, mas, sinceramente, gostei bastante. Um ótimo ‘cover’ com pegada e ‘feeling’. As críticas caem muito em cima da comparação do Dio com o LaBrie e do solo cheio de virtuosismo e velocidade de John em relação ao de Ritchie.
Bem, voltando ao “Black Clouds & Silver Linings”, foi emocionante ouvir esse álbum e fazer essa resenha. Está seguramente dentre os melhores CDs do Dream Theater e ocupa lugar de destaque ao lado de “Images and Words” e “Scenes from a Memory”, seguidos pelo “Octavarium”. O melhor álbum do ano até agora, imperdível !

Faixas do CD:

01. A Nightmare to Remember
02. A Rite of Passage
03. Wither
04. The Shattered Fortress
X. Restraint
XI. Receive
XII. Responsible
05. The Best of Times
06. The Count of Tuscany

Por José “Xinho” Luís

publicado em
26/06/2009

Saga - The Human Condition

2009-06-26T07:06:00.001-07:00

“The Human Condition” é o primeiro álbum da veterana banda canadense de rock progressivo Saga sem seu vocalista original, Michael Sadler. E o resultado é muito bom, não só pelo competente novo vocalista Rob Moratti (ex-Final Frontier), que lembra James LaBrie (Dream Theater) em alguns momentos e Geoff Tate (Queensryche) em outros, mas também porque o som aparece mais revigorado, mais voltado para o rock pesado.
A faixa título começa com percussão e logo mostra o talento dos instrumentistas do Saga, Jim Crichton (baixo), Ian Crichton (guitarra), Jim Gilmour (teclados) e Brian Doerner (bateria). Talvez até para criar um certo suspense quanto ao novo vocal, as partes cantadas demoram para aparecer nesse épico de 6m50s.
“Step Inside” apresenta esse som mais pesado, numa composição que lembra e muito Dream Theater. Já “Hands of Time” tem características de Queensryche. Daí a comparação aos vocalistas dessas bandas.
Teclados encorpados introduzem “Avalon”, uma canção com melodia muito alegre e leve. Já a faixa seguinte, “A Number With a Name” se destaca pelo duelo entre os teclados e a guitarra.
O álbum tem seu ponto fraco em “Now Is Now”, chata e descartável. O som fica melhor em “Let It Go”, que se assemelha às músicas dos anos 80 dos conterrâneos do Rush. “Crown Of Thorns” destaca as guitarras e, por isso, fica bem pesada para o estilo da banda.
O álbum fecha com um som progressivo pop, como fazia o Yes, em “You Look Good To Me”. Os fãs antigos provavelmente aprovarão o novo vocalista, apesar de seu timbre ser diferente. E quem não conhece o Saga, mas curte Dream Theater, Rush e Queensrÿche, deve checar esse trabalho, porque a probabilidade de gostarem é praticamente de 100%.

Faixas do CD:

01. The Human Condition
02. Step Inside
03. Hands Of Time
04. Avalon
05. A Number With A Name
06. Now Is Now
07. Let It Go
08. Crown Of Thorns
09. You Look Good To Me

Por Eduardo Kaneco
publicado em
26/06/2009

Amorphis - Skyforger

2009-06-25T06:10:00.000-07:00

publicado em
25/06/2009

Assim como muitas outras bandas que começaram tocando um som extremamente sombrio e pesado, trilhando os caminhos obscuros do black metal, o Amorphis também deu uma suavizada em seu som ao longo da carreira. Mas para quem acompanha a carreira da banda isso não é novidade. Neste excelente trabalho, “Skyforger”, o Amorphis consegue reunir elementos que parecem sair de todas as fases da banda.
Mesmo nos tempos do excelente “Tales From the Thousand Lakes” a melodia sempre foi uma característica marcante nas músicas da banda, com linhas de guitarra feitas quase para cantarolar, enquanto outros ‘riffs’ pesados e arrastados serviam para bater cabeça e o teclado dava um clima ao mesmo tempo viajante e sombrio. Tudo isso continua nas novas músicas, ainda que seja diferente daquilo que se ouvia anos atrás.
“Skyforger” reúne peso e melodia em uma combinação incrível. O disco tem um direcionamento mais metal, mas cheio de inserções de folk e progressivo e até alguns vocais guturais, como nos velhos tempos. A banda continua mergulhando nos temas do Kalevala, o livro de cantos e histórias mitológicas da Finlândia. “Sampo”, que abre o disco, é uma dessas baseadas no famoso livro. A música tem uma introdução ao teclado típica do Amorphis, com uma guitarra que acompanha o teclado até a banda toda entrar. A música deve funcionar muito bem ao vivo, já que a linha vocal é bem do tipo ‘pra cantar junto’. “Silver Blade” é a segunda faixa do disco e uma das melhores. Vocais urrados e limpos, guitarra marcante e uma levada para a galera agitar.
“Sky is Mine” tem um aspecto mais moderno, seguindo a linha dos trabalhos mais recentes do grupo. Em “Majestic Beast” o vocal gutural tem um espaço maior e segue em boa parte dos versos. Outras músicas de destaque no trabalho são a faixa-título e a última, “From Earth I Rose”, agressiva no início e depois com um teclado que dá a cara folk característica do grupo.
Certamente esse é um álbum de destaque na carreira do Amorphis e deve agradar os fãs da fase ais antiga da banda, ainda que o álbum seja diferente daquilo.

Faixas do CD:

01. Sampo
02. Silver Bride
03. From the Heaven of My Heart
04. Sky is Mine
05. Majestic Beast
06. My Sun
07. Highest Star
08. Skyforger
09. Course of Fate
10. From Earth I Rose

Por Eduardo Guimarães

Primal Fear - 16.6: (Before The Devil Knows You’re Dead)

2009-06-24T07:05:00.000-07:00

Publicado em
24/06/09

Quando surgiu há pouco mais de dez anos, ninguém apostava muito no Primal Fear. Verdade seja dita, o grupo parecia ser apenas mais um dos projetos do baixista Mat Sinner ao lado de alguns talentosos músicos alemães, como o vocalista Ralph Scheepers. O grupo, no entanto, acabou se tornando referência no Metal e é um dos mais atuantes do gênero.
A dupla, ainda unida, coloca agora na praça “16.6: (Before The Devil Knows You’re Dead)”, nada menos do que o oitavo álbum inédito. Para orgulho dos puristas, o Primal Fear continua praticamente o mesmo do ‘debut’.
Sinner e Scheepers usam, repetem e levam ao limite os mais diversos clichês, mas fazem isso de maneira empolgante e verdadeira, desde o visual e arte até a sonoridade. Porque você sabe, os alemães são imbatíveis quando fazem Power Metal. E tudo está aqui mais uma vez: vocais agudos (e muitas vezes rasgados), ‘riffs’ de guitarra distorcidos e cortantes, solos velozes, refrãos marcantes e alguns ‘backing vocals’. Uma das melhores qualidades da banda é que eles não concentram a parte rítmica naquele Metal desenfreado, mas conseguem compor levadas com ‘groove’, daquelas de fazer qualquer um bater a cabeça, mesmo que discretamente. “Killbound”, “Six Time Dead” e “Smith & Wesson” são bons exemplos disso. O Primal Fear não faz grandes clássicos e nem se destaca pela originalidade. Mesmo assim, tem papel fundamental na cena, pois são pouquíssimas as bandas que mostram tamanha garra e amor pelo Metal. “16.6: (Before The Devil Knows You’re Dead)” ainda marca a estréia do guitarrista Magnus Karlsson, no lugar de Stefan Leibing.

Por Rafael Sartori

Stratovarius - Polaris

2009-06-23T06:19:00.000-07:00

publicado em
23/06/2009

“Polaris” é esperado com ansiedade por seus fãs, porque é o primeiro álbum sem o guitarrista Timo Tolkki. Uma prova de fogo para o vocalista e líder Timo Kotipelto, apoiado pelos membros Jens Johansson (teclados), Matias Kupiainen (guitarra), Jorg Michael (bateria) e Larui Porra (baixo). Aquele estilo de música empolgante que os finlandeses resumiram na obra prima “Hunting High and Low” pode ser conferido aqui em “Deep Unknown” e “Higher We Go”, duas inspiradas composições que esquentarão os próximos shows do Stratovarius, e também em “Falling Star”, apesar de esta ser mais cadenciada - com destaque para a introdução e pelo solo de teclado. Já o speed metal que lembra Helloween foi incorporado em “Polaris” nas faixas “Blind”, que começa como se fosse uma balada, mas logo entra seu ritmo acelerado, e “Forever Is Today”, que é porrada desde o início.
Para os que preferem o lado mais progressivo do Stratovarius, com muito teclado e longas passagens instrumentais, as preferidas deste trabalho serão a anti-bélica “King Of Nothing” (com um ‘riff’ bem legal) e “Emmancipation Suite (parts 1 & 2)”.
“When Mountains Fall” é uma bela balada, típica da banda, ou seja, bonita, mas não lacrimosa. Há outras baladas nesse trabalho. A criativa “Somehow Precious” mostra uma queda pelos lamentos bluesy. E à outra balada, “Winter Skies”, falta tempero e vale só pelos solos de piano e de guitarra.
Apesar de algumas faixas estarem abaixo do alto nível das outras, “Polaris” é um ótimo álbum e coloca o Stratovarius de volta aos seus melhores momentos.

Faixa do CD:

01. Deep Unknown
02. Falling Star
03. King Of Nothing
04. Blind
05. Winter Skies
06. Forever Is Today
07. Higher We Go
08. Somehow Precious
09. Emancipation Suite: I Dusk
10. Emancipation Suite: II Dawn
11. When Mountains Fall

Por Eduardo Kaneco

Marilyn Manson - The High End of Low

2009-06-20T06:36:00.000-07:00

publicado em
20/06/09

Se colocarmos o novo disco de Marilyn Manson para tocar logo depois de ouvir um de seus primeiros álbuns o susto é grande. Aquela barulheira chata e industrial se transformou, ganhou melodia e perdeu peso. Essa mudança foi gradativa e por isso não deve ter assustado tanto os fãs que - assim como o sr. Manson - devem ter crescido musicalmente.
Sejamos sinceros. No início de carreira Marilyn Manson chamava mais atenção por suas declarações, atitudes e visual bizarro do que pela música que fazia. Ah, não podemos esquecer das dúvidas sobre Manson ser ou não ser o ator que interpretava o personagem Paul Pfeifer no seriado “Anos Incríveis”. Toda a publicidade manteve o cantor em evidência e ajudou a firmar sua carreira. Jogada inversa ao que Ozzy Osbourne fez, que de grande cantor se tornou uma caricatura de si mesmo. Mas vamos ao disco.
“The High End of Low” é menos sombrio e angustiante que seu antecessor, “Eat Me, Drink Me”, que trazia letras bem pessoais falando do casamento desfeito de Manson. São 15 faixas em pouco mais de 70 minutos de música. “Devour” foi a música escolhida para abrir o disco. No início ela mantém o clima do álbum anterior, melancólica, mas no final ganha força com a entrada da banda e dá o tom que se segue em outras faixas.
“Pretty As a Swastika” tem um ‘riff’ que lembra o clima anos 80 de bandas de gothic rock, mas ao tempo mesmo tem ruídos característicos dos trabalhos de Manson e um baixo poderoso, marcando o retorno de Twiggy Ramirez. Uma das melhores músicas do álbum. Esse clima gothic rock permeia outras faixas e dá ao álbum uma cara mais rock n’ roll, menos industrial, menos metal do que trabalhos anteriores. E funciona bem.
A terceira faixa, “Leave a Scar”, mantém o bom nível do álbum. Em algumas músicas o destaque é o trabalho acústico, como em “Four Rusted Horses” e a surpreendente balada “Running to the Edge of the World” que até chega a lembrar algo de David Bowie.
Quem prefere os sons mais eletrônicos que sempre permearam as músicas de Manson deve gostar de “Blank and White”, “Wow” e “Arma-Goddamn-Motherfukin-Geddon”, que traz um pouco de faixas como “Beautiful People”.
“Wight Spider” é outra música bem interessante, arrastada, com uma linha de baixo onipresente, mostrando mais uma vez que a estrela do disco - queiram ou não os fãs - é Ramirez.
Confesso que nunca fui fã desse respeitável senhor, mas os últimos dois discos me surpreenderam positivamente. “The High End of Low” tem elementos para agradar os fãs da primeira fase do vocalista e aqueles que curtiram mais seu último álbum. Merece atenção.

Faixas do CD:

01. Devour
02. Pretty as a Swastika
03. Leave a Scar
04. Four Rusted Horses
05. Arma-goddamn-motherfuckin-geddon
06. Blank and White
07. Running to the Edge of the World
08. I Want to Kill You Like They Do in the Movies
09. WOW
10. Wight Spider
11. Unkillable Monster
12. We’re from America
13. I Have to Look Up Just to See Hell
14. Into the Fire
15. 15

Por Eduardo Guimarães

Old Man’s Child - Slaves of the World

2009-06-19T06:43:00.000-07:00

publicado em
19/06/2009

Embora seja um dos nomes mais atuantes no Black Metal moderno, se é que podemos usar essa expressão, o multi-instrumentista Galder ficou conhecido mesmo na cena após se tornar um integrante do Dimmu Borgir. Felizmente ele nunca deixou de lado o Old Man’s Child e agora coloca na praça o mais novo álbum do grupo, “Slaves of the World”.
E é natural que as faixas acabem pegando um pouco do jeito do Dimmu Borgir, especialmente dos álbuns mais recentes. Algumas linhas de voz e ‘riffs’ de guitarra são bem parecidos, mas sem aquele exagero sinfônico que Shagrath gosta tanto. Galder, aliás, faz questão de esconder os teclados atrás de uma parede generosa de guitarras distorcidas.
A produção é cristalina e caprichada e foi assinada novamente por Fredrik Nordström, que já cuidou dos trabalhos mais recentes do Old Man’s Child além dos trabalhos de bandas como In Flames, Arch Enemy e, é claro, o Dimmu Borgir.
Além Galder, a formação conta apenas com o baterista Peter Wildoer (Darkane, Pestilence), que cumpre seu papel sem grandes inovações nem desafios. “Slaves of the World”, aliás, é mais ou menos isso. Um Black Metal mais puxado para o Thrash, algumas passagens dispensáveis, alguns destaques positivos, mas razoável em sua maior parte.
De qualquer maneira, “Slaves of the World” é um álbum coeso, que mantém Galder e seu Old Man’s Child na ativa. Não é seu melhor trabalho e nem um álbum indispensável, mas deverá agradar os fãs e apreciadores do Metal extremo superproduzido.

Faixas do CD:

01. Slaves of the World
02. Saviours of Doom
03. The Crimson Meadows
04. Unholy Foreign Crusade
05. Path of Destruction
06. The Spawn of Lost Creation
07. On the Devil’s Throne
08. Ferden Mot Fienden’s Land
09. Servants of Satan’s Monastery

Por Rafael Sartori

Sunstorm - House of Dreams

2009-06-18T06:02:00.000-07:00

publicado em
18/06/2009

Joe Lynn Turner é um excelente vocalista que dispensa apresentações já que boa parte de seu curriculum é conhecido do público que curte classic rock, hard e metal. Mas parece que Turner sempre teve o problema de estar ligado a grandes bandas apenas como ‘o vocalista substituto’. Ainda que tenha lançado mais álbuns em sua carreira solo e com seus projetos do que com as bandas grandes pelas quais passou.
Mas deixando o passado para trás, eis que Turner retoma o projeto Sunstorm, idéia do presidente da Frontiers Records, Serafino Perugino, que lançou o primeiro álbum em 2006. Agora Turner reativa o projeto e lança “House of Dreams”, com produção de Dennis Ward, do Pink Cream 69, que também toca baixo no disco.
“House of Dreams” traz 11 faixas com um rock melódico / AOR que obviamente tem muito de anos 80, período áureo do estilo. O disco tem algumas músicas que se destacam, mas no geral, só deve mesmo é cair no gosto dos aficcionados do estilo.
O álbum começa bem com “Divided”, uma das mais energéticas do álbum - ‘pesada’ não é um termo que se aplica, apesar dos ‘riffs’ bem legais. A música tem aquela pegada típica hard/glam/farofa. O teclado tem destaque no álbum sem se sobressair em relação aos outros instrumentos, dando um acréscimo de melodia.
As músicas de destaque do álbum, além de “Divided”, são “Don’t Give Up”, “Forever Now” e “Gutters of Gold”, a melhor do disco. Mas também há músicas que só os fanáticos de Turner vão conseguir ouvir mais do que uma vez, como “Say You Will” e “Tears on the Pages”. Item apenas para os que já são fãs.

Faixas do CD:

01. Divided
02. Don’t Give Up
03. The Spirit Inside
04. I Found Love
05. Say You Will
06. Gutters of Gold
07. Save a Place in Your Heart
08. Forever Now
09. Tears on the Pages
10. House of Dreams
11. Walk On

Por Eduardo Guimarães

Enter Shikari - Common Dreads

2009-06-17T06:26:00.000-07:00

publicado em
17/06/2009

Headbangers radicais e puristas, não percam seu tempo. O Enter Shikari não é para vocês. Afinal, o quarteto britânico mistura Hardcore com música eletrônica. Mas não são alguns elementos e referências eletrônicas e sim bases inteiras de sintetizadores. Isso somado a vocais gritados, guitarras distorcidas e linhas melódicas agressivas com refrãos suaves e alguns corais renderam a eles até mesmo o rótulo de Trance Metal.
Falando assim parece mesmo algo assustador, mas o Enter Shikari tem lá seus momentos. “Common Dreads”, o segundo álbum, tem algumas boas letras e passagens interessantes como em “Solidarity”, “Juggernauts” e “The Jester”. Esta última, aliás, consegue um bom equilíbrio entre os mundos tão distintos que o Enter Shikari explora e soa como o álbum todo deveria soar (mesmo com o inexplicável final animadinho).
Infelizmente, “Common Dreads” é bem fraquinho. Nada contra a mistura que a banda faz. O problema é que as faixas não são muito inspiradas mesmo. Misturar música eletrônica com Hardcore e Metal certamente chama a atenção, mas a estranheza logo passa e o que resta não é muito. Embora a produção tenha ficado a cargo do experiente Andy Gray, que já assinou álbuns do U2 e Korn, o repertório parece meio desorientado, contendo ainda baladas sem graça e chatas vinhetas “atmosféricas”.

Faixas do CD:

01.Common Dreads
02. Solidarity
03. Step Up
04. Juggernauts
05. Wall
06. Zzzonked
07. Havoc A
08. No Sleep Tonight
09. Gap In The Fence
10. Havoc B
11. Antwerpen
12. The Jester
13. Halcyon (Intro)
14. Hectic
15. Fanfare For The Conscious Man

Por Rafael Sartori

Iggy Pop - Préliminaires

2009-06-15T13:26:00.000-07:00

publicado em
15/06/2009

Iggy Pop fazendo baladas jazz em francês e com efeitos eletrônicos? Sim, é estranho. Mas imperdível. Com mais de 60 anos, Iggy Pop não pára de surpreender. Quando todos achavam que o veterano estava acomodado ao punk rock que o projetou na cena musical, eis que ele anuncia um álbum com sonoridade jazz.
Estranho num primeiro momento, o anúncio foi fazendo sentido aos poucos. Os fãs foram assimilando a idéia. E quando o álbum chegou - antes disso algumas canções já podiam ser ouvidas na internet - parecia que Iggy Pop já fazia aquilo há muito tempo.
“Préliminaires” ficou assim: o músico parece tão à vontade cantando canções como “I Want To Go To The Beach” e “How Insensitive”, que é fácil imaginá-lo fazendo isso novamente. “How Insensitive”, aliás, é uma versão para “Insensatez”, de Antônio Carlos Jobim, que ficou bem mais lúgubre que a original, acompanhando o clima do álbum.
É claro que há momentos agressivos e com ‘riffs’ sujos. “Nice To Be Dead” é um rock que remete às raízes de Iggy Pop. Outra canção que tem jeitão punk é o ‘single’ “King Of The Dogs”. Mesmo não sendo um rock, tem uma aura totalmente sarcástica e sua letra inclui versos como “I have a piece of meat in between my teeth” - mais punk, impossível.
Mas “Préliminaires” não surgiu do nada. O álbum foi inspirado no livro “A Possibilidade de uma Ilha”, do escritor francês Michel Houellebecq. O estilo provocador e ofensivo do escritor combinou perfeitamente com a loucura agressiva de Iggy Pop. A morte é o tema central do álbum. O teor melancólico do repertório toma como base a concretude da morte, como revela a letra falada de “A Machine For Loving”, que narra a morte de um cão. Não é aquela beleza gótica da morte, sensível e sensual. É a morte mais crua, direta, que marca um vazio, a finitude. A poesia, se podemos chamar assim as letras de “Préliminaires”, segue essa linha conceitual.
Como se pudesse segurar toda a intensidade das faixas, “Les Feuilles Mortes”, canção francesa com poemas de Jacques Prévert, abre e fecha o álbum com o vozeirão grave do norte-americano cantando a morte que separa os amantes. Iggy Pop conseguiu com “Préliminaires” aquilo que muitos artistas tentam sem muito sucesso: se aventurou por terras desconhecidas sem perder a personalidade.

Faixas do CD:

01. Les Feuilles Mortes
02. I Want To Go To The Beach
03. King Of The Dogs
04. Je Sais Que Tu Sais
05. Spanish Coast
06. Nice To Be Dead
07. How Insensitive
08. Party Time
09. He’s Dead/She’s Alive
10. A Machine For Loving
11. She’s A Business
12. Les Feuilles Mortes (Marc’s Theme)

Por Lizandra Pronin

Lacrimosa - Sehnsucht

2009-06-10T05:27:00.000-07:00

publicado em
10/06/2009

Foram quatro anos desde o último álbum do Lacrimosa, “Lichtgestalt”, e eis que Tilo Wolff presenteia os fãs com um novo trabalho da banda contendo 10 composições inéditas. O novo álbum foi batizado como “Sehnsucht”, palavra em alemão que pode ser traduzida como saudade, nostalgia. Pelo título já se pode imaginar que o conteúdo dos temas e o clima que permeia todo o álbum continuam o mesmo de sempre. Ainda bem.
Enquanto fãs antigos e radicais acham que a banda está ‘muito metal’, outros não gostam justamente porque é ‘muito gótico’. Sorte de quem consegue apreciar os dois lados da banda. É verdade que faz tempo que Wolff agregou outros elementos ao som do Lacrimosa e a banda ganhou mais peso. Aquele clima tétrico de músicas antigas como “Crucifixio” quase não existe mais. Ainda assim, há a melancolia - às vezes bela, às vezes triste - que caracteriza o som da banda. O que temos em “Sehnsucht” são muitas orquestrações, algumas guitarras bem pesadas e o vocal inconfundível de Tilo Wolff. Claro que também há os teclados de Anne Murmi que além de contribuir com os vocais de apoio também faz vocais principais na bela “A Prayer for Your Heart”.
Mas o disco começa é com “Die Sehnsucht in Mir”, que lembra um pouco “Schakal”, mas não tem a mesma força que esta música. Logo em seguida uma das mais legais desse álbum, “Mandira Nabula”. A faixa traz um ‘riff’ barulhento e pesado com um vocal agressivo de Tilo no refrão. Imagino que ao vivo essa música deve funcionar bem pela sua semelhança com “Lichtgestalt”.
“A.u.S. (Alles Unter Schmerzen)” é a mais tranqüila do álbum, com um vocal sereno e o instrumental calmo. Outra faixa de destaque no álbum é a ótima “Feuer” que traz de volta as guitarras com ‘riffs’ barulhentos e um coral feito por crianças muito interessante. A orquestração ao fundo, repetida durante toda a música, é empolgante e parece guiar a canção. Mas certamente o destaque da faixa é o coral. Pena que a música é curta.
Também merece atenção “I Lost My Star in Krasnodar”, uma das três faixas em inglês. O refrão fácil e o eco nos vocais são os atrativos dessa faixa. No geral, “Sehnsucht” não traz nenhuma diferença em relação aos últimos dois álbuns de estúdio do Lacrimosa e parece que é essa a trilha que Tilo Wolff quer mesmo seguir.
Para quem gostou de “Lichtgestalt”, “Sehnsucht” é outro álbum que deve fazer parte da coleção particular.

Faixas do CD:

01. Die Sehnsucht In Mir
02. Mandira Nabula
03. A.u.S.
04. Feuer
05. A Prayer for Your Heart
06. I Lost My Star In Krasnodar
07. Die Taube
08. Call Me with The Voice of Love
09. Der Tote Winkel
10. Koma

Por Eduardo Guimarães

Tim Owens - Play My Game

2009-06-09T07:13:00.000-07:00

publicado em
09/06/2009

Após ficar mundialmente conhecido graças aos trabalhos com o Judas Priest e passar pelo Iced Earth e Yngwie Malmsteen, finalmente Tim ‘Ripper’ Owens decide lançar um álbum solo. Neste disco o vocalista mostra sua capacidade e exerce suas vontades com a liberdade que ele chegou a dizer que não tinha nas bandas pelas quais passou. E o resultado é muito bom.
Para acompanhá-lo na empreitada foram convocados alguns dos maiores músicos do cenário metal mundial, entre eles Bob Kulick, Jeff Loomis, Rudy Sarzo, Simon Wright, Craig Goldy, James LoMenzo, David Ellefson, Vinny Appice e Marco Mendoza. Ou seja, um time de peso que conseguiu dar diversidade às músicas, mas sem parecer que é um amontoado de canções sem ligação, ou feitas por bandas diferentes.
Boa parte das músicas é impregnada de influências do metal oitentista, principalmente de Judas Priest - claro - e Dio. A faixa que abre o disco é “Starting Over”, uma das melhores e que deve ser ótima ao vivo, com um refrão cheio de empolgação. “Believe”, com um ‘riff’ quadrado e pesadão, tem uma cara mais atual e nessa Owens mostra todo seu potencial vocal, mesmo que em muitos momentos seja com vocais dobrados, assim como fez à exaustão nos dois álbuns que gravou dom o Judas Priest.
Com um pé no thrash metal mais técnico o vocalista apresenta “The Cover Up”, que não por acaso traz James LoMenzo (Megadeth) e Jeff Loomis (Nevermore) dando suas contribuições para a faixa soar como tal. “It is Me” é outra música agressiva e moderna com bons solos de Carlos Cavazo. “No Good Godbyes” tem um instrumental que lembra em alguns momentos os trabalhos mais recentes de Ozzy Osbourne, o que não é exatamente um elogio. Mas é uma música bem ‘densa’, pesada.
“To Live Again”, mais cadenciada e com momentos suaves, é outro destaque do álbum. A linha vocal de Owens nas partes mais pesadas é daquele tipo para acompanhar junto. Em “Play My Game” Owens não pode reclamar que não fez o que queria.
Chamou músicos com vasta experiência musical, de estilos diferentes e criou um ótimo álbum de heavy metal. Agora o vocalista pode exorcizar os fantasmas do Judas Priest e do Iced Earth. Como nem tudo é perfeito, a capa escolhida é ridícula.

Faixas do CD:

01. Starting Over
02. Believe
03. The Cover Up
04. Pick Yourself Up
05. It Is Me
06. No Good Goodbyes
07. The World Is Blind
08. To Live Again
09. The Light
10. Play My Game
11. Death Race
12. The Shadows Are Alive
13. A Challenge (bonus)

Por Eduardo Guimarães

Green Day - 21st Century Breakdown

2009-06-06T07:06:00.001-07:00

publicado em
06/06/2009

Quem imaginaria que o trio formado por Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt e Tre Cool, chegaria ao 8º álbum?
Quem imaginaria que a mesma banda que lançou em 1994 um álbum como “Dookie”, lançaria 10 anos mais tarde um trabalho como “American Idiot”?
Quem imaginaria que em uma época dominada por ‘downloads’ e mp3 players, o grupo ainda seria um dos poucos capazes de vender milhões de cópias? O Green Day é assim, sempre surpreendente.
“21st Century Breakdown” é, de certa forma, uma seqüência do bem-sucedido “American Idiot”. Uma ópera Rock focada na história de dois personagens, Christian e Gloria, sendo o primeiro alguém extremamente auto-destrutivo, revoltado e o segundo, uma mulher cheia de ideais e esperanças. Surpreende por ter no mínimo o mesmo nível de seu antecessor.
É um trabalho ambicioso, conceitual - embora sejam nítidas as preocupações da banda em não soar pretensiosa, messiânica. Traz ainda as características que tornaram a banda uma das maiores do showbizz: músicas simples e diretas, com refrões fáceis.
O resultado final agrada e muito, embora haja alguns poucos equívocos, principalmente nas letras onde a banda mais se parece uma cópia genérica de Bruce Springsteen.
No ótimo album, os destaques são para “Know Your Enemy”, para a balada “Last Night on Earth” e para “Horseshoes and Handgrenades”.

Faixas do CD:

01. Song of the Century
02. 21st Century Breakdown
03. Know Your Enemy
04. íViva La Gloria!
05. Before The Lobotomy
06. Christians Inferno
07. Last Night On Earth
08. East Jesus Nowhere
09. Peacemaker
10. Last Of The American Girls
11. Murder City
12. +Viva La Gloria? (Little Girl)
13. Restless Heart Syndrome
14. Horseshoes And Handgrenades
15. The Static Age
16. 21 Guns
17. American Eulogy (Mass Hysteria/Modern World)
18. See The Light

Por Maurício Kenzil

Devin Townsend - Ki

2009-06-05T06:55:00.000-07:00

publicado em
05/06/2009

Quando se fala em Devin Townsend, logo imaginamos um disco pesado, complexo, e extremo em todos os sentidos da palavra. Mas “Ki” é um pouco diferente do que o músico e produtor está acostumado a fazer. O álbum, acredite se quiser, é calmo, contido e até certo ponto suave. Parece que a sobriedade que o vocalista e guitarrista (e tudo mais que você possa imaginar) adotou nos últimos tempos fez efeito e influenciou diretamente suas novas composições.
Townsend, conhecido por seus exageros e experimentalismos, aposta agora num vocal sussurrado e guitarras limpas. Mesmo nas partes mais agressivas e pesadas, a sonoridade se mantém coerente com a proposta do trabalho e tudo acontece de forma natural. A produção é impecável, com destaque para o som cru e verdadeiro da bateria.
“Ki” tem seus momentos de Rock, Pop, Jazz e dissonâncias, tudo com uma atmosfera ‘creepy’. Os ‘riffs’ de guitarra são todos meio parecidos e as faixas se complementam de maneira bastante sensível conforme o repertório anda, embora os fãs mais acostumados com as maluquices de Townsend possam achar tudo meio repetitivo.
Os destaques ficam com as introspectivas “Coast”, “Terminal”, “Winter” e as participações da vocalista Ché Dorval, que dá um charme todo especial nas linhas em que participa. Vale lembrar que “Ki” é apenas o primeiro de uma série de quatro álbuns que Devin Townsend prometeu para 2009. O cara é um gênio.

Faixas do CD:

01. A monday
02. Coast
03. Disruptr
04. Gato
05. Terminal
06. Heaven Send
07. Aint Never Gonna Win...
08. Winter
09. Trainfire
10. Lady Helen
11. Ki
12. Quiet Riot
13. Demon League

Por Rafael Sartori

Isis - Wavening Radian

2009-06-04T06:33:00.000-07:00

publicado em
04/06/2009

Entre as milhares de bandas e artistas que existem por aí, é difícil ouvir algo que realmente pareça diferente. Há dois motivos para isso. Primeiro porque as fontes iniciais, as influências, muitas vezes são as mesmas, o que acaba gerando derivados que de algum modo remetem à influência original. Segundo porque é muito mais fácil copiar algo que está na moda ou que tenha um grande nicho de mercado, o que quase sempre é garantia de alguma projeção.
Mas quando aparece algo diferente, além do espanto inicial, também surge uma cerca inquietação para buscar de onde vêm os elementos do som tão singular. A banda norte-americana Isis se encaixa nesse caso. O grupo é formado por Aaron Turner (voz, guitarra), Bryant Clifford (teclado, guitarra, vocal), Michael Gallagher (guitarra), Jeff Caxide (baixo) e Aaron Harris (bateria).
“Wavening Radiant” é o quinto álbum do Isis e traz apenas sete faixas com uma mistura de estilos difícil de ver funcionando tão bem em outras bandas. As músicas são longas e alteram partes lentas, cheias de psicodelismo, quase progressivas, com partes pesadas que às vezes vão do stoner rock ao metalcore. Parece estranho, mas ouça e tire suas conclusões.
A música que abre o álbum, “Hall of the Dead” é bem representativa do tipo de som que se ouve neste trabalho. A música começa relativamente calma e vai progredindo, crescendo com o acréscimo dos instrumentos e do vocal grave e rasgado de Turner. Tudo isso vira uma calmaria no meio da canção, como o tempo calmo após a tempestade.
“Hand of the Host”, com mais de 10 minutos, é provavelmente a faixa mais interessante do álbum, principalmente nos momentos em que o instrumental está mais alto, fazendo barulho mesmo, e o vocal está limpo, calmo, como que se contrapondo a tudo aquilo. Os efeitos na guitarra em “Threshold of Transformation” remetem muito aos grupos de rock progressivo ou aqueles que também beberam nessa fonte, como Anathema e Opeth.
Em suma, um disco diferente de uma banda pouco conhecida, mas que merece atenção.

Faixas do CD:

01. Hall of the Dead
02. Ghost Key
03. Hand of the Host
04. Wavering Radiant
05. Stone to Wake a Serpent
06. 20 Minutes / 40 Years
07. Threshold of Transformation

Por Eduardo Guimarães

New York Dolls - Cause I Sez So

2009-06-02T05:56:00.000-07:00

publicado em
02/06/2009

O New York Dolls é um grupo que não precisa de maiores apresentações. Após a reunião em 2007, com “One Day It Will Please Us to Remember Even This”, eles resolveram tentar recuperar o passado com mais um inédito.
Desse modo, “Cause I Sez So” conta novamente com a produção de Todd Rudgren, responsável pelo ‘debut’ homônimo, de 1973. Assim que o álbum começa a tocar, a impressão que temos é a de que eles conseguiram. Mas não é bem assim.
A faixa-título e “Muddy Bones”, que abrem o repertório, são simples, diretas e contagiantes, representando fielmente o estilo do New York Dolls. Acontece que daí pra frente temos um festival de baladas, sendo que a maioria é bem sem graça e o destaque fica com “Making Rain”.
No meio disso tudo, o Blues “Ridiculous” e a inexplicável “Temptation To Exist” que pode até ser engraçada, caso você a entenda como uma piada da banda. Felizmente o New York Dolls guardou duas outras boas canções para o final - “Nobody Got No Bizness” e “Exorcism of Despair”.
“Cause I Sez So” é um álbum irregular, metade do álbum é muito boa e a outra metade muito ruim. Mas não dá para esperar mesmo muita coerência de uma banda que teve uma carreira meteórica e no limite como o New York Dolls.

Faixas do CD:

01. Cause I Sez So
02. Muddy Bones
03. Better Than
04. Lonely So Long
05. My World
06. Ridiculous
07. Temptation To Exist
08. Making Rain
09. Drowning
10. Nobody Got No Bizness
11. Trash
12. Exorcism Of Despair

Por Rafael Sartori

Great White - Rising

2009-05-31T07:24:00.000-07:00

publicado em
29/05/2009

Provavelmente só os amantes da onda heavy metal dos anos 80 se lembram do Great White, apesar de eles terem atingido disco de platina duplo (mais de 2 milhões de discos vendidos) com o álbum “...Twice Shy”, em 1989. E de terem lançado 22 discos, contando este novo, em 27 anos de carreira. Jack Russel, vocalista, e Mark Kendall, guitarrista, fundadores da banda, contam com Michael Lardie (teclados e guitarras), Audie Desbrow (bateria) e o recém chegado Scott Snyder (baixo) na formação deste álbum. Em “Rising”, os norte americanos de Los Angeles mostram um hard rock muito pop. “Situation” abre o cd com rock de estrada: guitarra base em destaque e vocal melodioso. Em seguida, “All or Nothing” começa com ‘riff’ e batida típicos de AC/DC e depois vai para um lado mais rock americano, como o de Sammy Haggar. Já a percussão, o teclado e a melodia de “I Don’t Mind” caracterizam um AOR, com vocal puxando para Coverdale. “Shine” traz um ‘riff’ tocado com as cordas soltas e muito dedilhado, bem típico do Dokken.
Seguem-se canções com forte viés pop: “Loveless”, “It Is Enough”, “Last Chance”. O rock um pouco mais hard volta em “Danger Zone” e “Down On The Level”. O tom melodioso do álbum leva a se esperar que ele tenha uma super balada, mas “Only You Can Do” é muito sem graça e arrastada, parece interminável. Muito melhor é a balada blues “My Sanctuary”, com belos sons de teclado de igreja e gaita.
O Great White se especializou em gravar ‘covers’ bem parecidas com as versões originais (vide o álbum dedicado ao Led Zeppelin) e aqui eles fazem isso com “Let’s Spend The Night Together”, dos Rolling Stones, que fecha este fraco lançamento.
A capa, pelo menos, é bonita, com o tubarão branco (“great white”), que tem características de desenhos de loja de surf.

Faixas do CD:

01. Situation
02. All Or Nothing
03. I Don t Mind
04. Shine
05. Loveless
06. Is It Enough
07. Last Chance
08. Danger Zone
09. Down On The Level
10. Only You Can Do
11. My Sanctuary

Por Eduardo Kaneco

The Horrors - Primary Colours

2009-05-30T07:08:00.000-07:00

publicado em
30/05/2009

Com um som que circula entre o rock e o punk e entremeado de sintetizadores tվpicos dos anos 80, o The Horrors chega ao 2° álbum da carreira, "Primary Colours".
A banda surgiu carregada daquela aura 'garage band', despojada e britânica, que se revela por detalhes nem um pouco escondidos. O nome da banda e as referências são mais do que claras - o primeiro single do Horrors era uma canção chamada 'Sheena Is a Parasite' e indicava logo de cara que o quinteto tinha em sua coleção Ramones e The Cramps. Foram influências desse calibre, unidas ás distorções de Joshua Third, que colocaram o Horrors no 'player' do povo.
Com o novo álbum, no entanto, o Horrors vai além dessas influências. Entram no balaio: The Cure, Joy Division e Nick Cave. E tudo continua soando como feito numa garagem inglesa meio suja e mal iluminada.
Em "Primary Colours", o Horrors deixa em evidência aquilo que de primitivo a música e os sentimentos humanos têm. Não apenas pelo lirismo direto e pouco delicado, mas também pela sonoridade que mesmo com toda a produção - que conta com uma mãozinha de Geoff Barrow, do Portishead - soa crua aos ouvidos. Até mesmo o título e a arte da capa indicam isso antes que se coloque o álbum para tocar.
Desde a canção que abre o repertório, "Mirrorãs Image", com suas ambiências e efeitos que convidam a uma viagem, até a longa 'Sea Within A Sea', "Primary Colours" é um álbum de rock sem rótulos nem modas - e o principal: com energia transbordando a cada ruído da guitarra e a cada aparição da marcante voz de Faris Badwan.

Faixas do CD:

01. Mirror`s Image
02. Three Decades
03. Who Can Say
04. Do You Remember
05. New Ice Age
06. Scarlet Fields
07. I Only Think Of You
08. I Can`t Control Myself
09. Primary Colours
10. Sea Within A Sea

Por Lizandra Pronin

Maroon - Order

2009-05-29T06:41:00.000-07:00

publicado em
29/05/2009

O metalcore tem algumas coisas bem clichês que em maior ou menor quantidade todas as bandas do estilo usam. O principal deles é o vocal gritado, esgoelado, desesperador. O Marron também usa desse artifício, além das passagens extremamente rápidas em praticamente todas as músicas e ao longo das faixas. Porém, a falta de originalidade não significa necessariamente que um disco seja ruim. “Order”, o novo álbum dessa banda alemã, traz músicas que podem cativar até quem não gosta do estilo. O que primeiro se nota nesse trabalho é a bela capa e logo na primeira audição a qualidade impecável da produção.
“Order” traz 12 faixas que apresentam muito mais do que o tal metalcore. Há momentos extremamente rápidos, como em “Erode” e “Stay Brutal”. É interessante perceber como alguns ‘riffs’ trazem à memória outros estilos, como uma das passagens no início de “Stay Brutal” que lembra guitarras típicas de bandas de black metal dos anos 90. A influência de thrash metal também se faz presente no trabalho do Maroon, principalmente em algumas músicas mais cadenciadas como a ótima “A New Order”. A mudança do vocal gritado por frases mais limpas é um dos diferenciais dessa faixa. Esse é o ponto alto do disco junto com “Bleak”, que vem na seqüência. A música começa com uma introdução acústica, dá lugar para uma pancadaria, volta para o mesmo dedilhado e segue com um andamento cadenciado, com alguns teclados de fundo, até virar porrada. Ainda há um ‘riff’ que lembra até Metallica nos velhos tempos. Essa é a melhor música do álbum.
Talvez pelo fato dessas duas últimas músicas serem tão boas, o restante acaba ficando um pouco sem graça e repetitivo, exceto “Children of the Next Level”, puro black metal! A última música do disco, “Schatten”, vale pela curiosidade de ser cantada na língua natal dos músicos, em alemão.
O mais interessante no trabalho do Maroon é justamente nos momentos em que a banda ultrapassa a fronteira do metalcore e flerta com outros estilos. É nesse ponto que eles se diferenciam e conseguem bons resultados.

Faixas do CD:

01. Morin Heights
02. Erode
03. Stay Brutal
04. A New Order
05. Bleak
06. This Ship is Sinking
07. Call of Telah
08. Leave You Scared and Broken
09. Children of the Next Level
10. Bombs Over Ignorance
11. Wolves at the End of the Street
12. Schatten

Por Eduardo Guimarães

Dååth - The Concealers

2009-05-27T10:38:00.000-07:00

publicado em
26/05/2009

O Dååth é um grupo americano mais complexo do que parece. Assim que “The Concealers”, o terceiro álbum, começa a tocar, logo vem a lembrança do Slipknot. “Sharpen the Blades” realmente tem uma pegada bem parecida com o som dos mascarados, especialmente o refrão.
Mas o Dååth vai bem além. Conforme as faixas vão passando, podemos identificar muitas influências e referências, desde o Thrash puro e simples ao Death mais brutal, sem deixar de lado o Industrial e o chamado o Gothenburg sound, ou seja, aquele Death Metal mais melódico e tão comum na Europa.
As faixas são agressivas, com vocal gutural e muitos ‘riffs’ quebrados. As guitarras fazem, vez ou outra, linhas dobradas, dando um toque mais tradicional ao som do grupo. “The Unbiding Truth”, porém, tem um quê de erudito e os solos são parte fundamental. “Silenced”, “Translucent Potency” e “...Of Poisoned Sorrows” são outros destaques.
O que impressiona mesmo, no entanto, é a bateria. Com boa produção e um timbre de bumbo poderoso, Kevin Talley soa matador. E quando ele decide disparar o famoso ‘double bass’, é melhor se proteger.
“The Conceales” é um álbum pesado e raivoso, mas que consegue ser ao mesmo tempo bem variado - o que para muita gente pode ser um fator negativo. De qualquer modo, o Dååth é uma banda moderna, que quer ser livre e, com certeza, que chama a atenção.

Faixas do CD:

01. Sharpen the Blades
02. Self-Corruption Manifesto
03. The Worthless
04. The Unbinding Truth
05. Silenced
06. Wilting on the Vine
07. Translucent Potency
08. Day of Endless Light
09. Duststorm
10. ...of Poisoned Sorrows
11. Incestuous Amplification

Por Rafael Sartori

Ministry - Adios... Puta Madres

2009-05-26T05:48:00.000-07:00

publicado em
25/05/2009

Você gosta muito de Ministry? Mas muito mesmo? Então você se deliciará com o “Adios... Puta Madres”, álbum que registra a turnê mundial “C U LaTour”, que teve 75 datas e marcou oficialmente o encerramento da carreira da banda. Os registros são de lugares como Sérvia, Varsóvia, Los Angeles, Chicago, Alemanha, República Tcheca e Eslovênia e nos deixa com água na boca por infelizmente não ter visto essa maravilha ao vivo. Falar qualquer coisa sobre o Ministry é uma tarefa muito complexa. O legado que os caras construíram vai muito além da música, passa pela estética punk, por política e por uma identidade cultural criada nas últimas décadas: o metal industrial. Podemos dizer que todas as bandas que conhecemos desse meio têm alguma influência do Ministry.
Falar desse álbum também não é fácil. No mínimo, ele pode ser considerado um documento áudio histórico, pois todo o material é parte da trilogia anti-Bush lançada pela banda. A saber: “Houses of the Molé”, “Rio Grande Blood” e “The Last Sucker” marcam o ódio que Jourgensen e cia proclamaram pelo ex-presidente. E nós fizemos parte dessa história: acompanhamos a era Bush e felizmente a vimos acabar. O álbum é construído estrategicamente nessa trilogia: começa com as primeiras cinco músicas do “The Last Sucker”, depois temos mais quatro músicas do “Houses of the Molé”, e acaba com quatro músicas do melhor dessa trilogia, o álbum “Rio Grande Blood”.
Alguns fãs podem se queixar que é um álbum sem “Thieves” ou “N.W.O.”, mas é aí justamente que as coisas se encaixam: “Adios... Puta Madres” também foi lançado numa versão de DVD duplo, com material de bastidores e com outras músicas, como “Thieves”. Ou seja, vamos ter que ver o DVD. O Ministry não tem muita frescura, vemos ao vivo o mesmo que vemos nos CDs, aquela sonzera que cativou milhões de fãs pelo mundo todo. Algumas músicas tiveram um toque a mais do que nos CDs, como “Khyber Pass” e “Worthless”. “Rio Grande Blood” e “No W” são simplesmente maravilhosas no palco.
O mundo precisa de mais bandas como o Ministry, que vai contra o conservadorismo e cria uma cultura própria, sendo um conceito e não simplesmente só mais um nome em uma categoria. Eu não quero dizer “Adeus, Ministry”, mas digo “Até logo”, pois espero que este não seja definitivamente o último álbum da banda.

Faixas do CD:

01. Let’s Go
02. Watch Yourself
03. Life Is Good
04. The Dick Song
05. The Last Sucker
06. No W
07. Waiting
08. Worthless
09. Wrong
10. Rio Grande Blood
11. Señor Peligro
12. LiesLiesLies
13. Khyber Pass

Por Edinéia Fortini

Chimaira - The Infection

2009-05-22T08:24:00.000-07:00

publicado em
22/05/2009

Depois de muitas mudanças, idas e vindas, parece que o Chimaira finalmente se encontrou. “The Infection” traz um Heavy Metal com groove, daquele tipo que causa um estrago grande ao vivo. A sonoridade do grupo está mais lenta e, embora tenha muitos ‘riffs’ com palhetadas alternadas, as passagens são bem arrastadas. Felizmente, desta vez, sem teclados e nem intervenções eletrônicas. “The Infection” é um trabalho intrincado e até criativo, mesmo que traga nenhuma inovação ao gênero. Os músicos são bastante competentes e entrosados e conseguem fazer com que canções aparentemente simples soem matadoras. Claro que a produção exemplar de Ben Schigel contribui para essa impressão. O destaque absoluto, porém, fica com o baterista Andols Herrick. Basta ouvir “The Disappearing Sun” para entender o motivo.
O repertório começa muito bem com “The Venom Inside” e segue no mesmo clima até o fim. Parece uma morte lenta e agonizante ou que tudo está derretendo. E convenhamos, fazer música agressiva e pesada assim é bem mais complexo do que tocar na velocidade da luz.
Outros destaques são “Frozen Time” e “The Heart of it All”, sendo que esta última é instrumental, bem quebrada, e tem mais de 14 minutos de duração - ainda que a música acabe de fato por volta dos 10 minutos. A única que difere um pouco, por ser mais moderninha e ter um vocal sóbrio, é “Impending Doom”.
Pode ser que “The Infection” que não apresente grande relevância para o Metal em si, mas certamente é um grande passo na evolução do Chimaira e agradará muitos fãs do gênero.

Faixas do CD:

01. The Venom Inside
02. Frozen In Time
03. Coming Alive
04. Secrets of the Dead
05. The Disappearing Sun
06. Impending Doom
07. On Broken Glass
08. Destroy And Dominate
09. Try To Survive
10. The Heart of it All

Por Rafael Sartori

Candlemass - Death Magic Doom

2009-05-21T11:09:00.000-07:00

publicado em
21/05/2009

Quando ouvi o EP “Lucifer Rising” não fiquei muito empolgado com as duas músicas inéditas, “The White God” e a faixa-título. Por isso coloquei este novo disco da banda sueca sem muitas expectativas. Talvez tenha sido melhor assim, sem expectativas, porque pude sentir todo o poder das novas composições sem estar esperando.
“Death Magic Doom” é o segundo álbum da banda com o vocalista norte-americano Robert Lowe, bem conhecido dos fãs de doom metal por seu trabalho em outra excelente banda, o Solitude Aeturnus. Este novo disco começa com uma das melhores músicas já feitas por essa formação, “If I Ever Die”. Rápida, feita para ‘bater-cabeça’ e com um excelente trabalho do baterista Janne Lindh.
Esse começo mantém o que já se tornou tradição no Candlemass, em abrir um disco com uma música mais rápida e logo em seguida apresentar uma das mais arrastadas do álbum. É o caso de “Hammer of Doom”, título que era para originalmente ter batizado o álbum. ‘Riff’ lento, poucas notas, arrastado e pesado como em “Devil Seed”, segunda faixa do álbum “King of the Grey Island”.
Mais do que em outros trabalhos, em “Death Magic Doom” as composições trazem maiores alternâncias entre ‘riffs’ lentos e outros rápidos, como em “The Bleeding Baroness”. Lowe dá uma interpretação incrível para esta música, sendo um de seus momentos de destaque no álbum.
Se em “King of the Grey Island” ainda parecia que algo não estava muito bem encaixado na banda, com este novo trabalho os fãs não devem ter o que reclamar. Lowe está muito mais integrado e à vontade nas músicas. Talvez seja porque o baixista, mentor e principal compositor, Leid Edling, tenha feito as músicas já para o novo vocalista, que obviamente tem uma capacidade vocal maior que Messiah Marcolin.
O guitarrista Lasse Johansson apresenta um de seus belos solos, em “House of 1.000 Voices”. “My Funeral Dreams”, que encerra o álbum, é uma das melhores deste trabalho e mostra que Edling escreveu para este disco algumas de suas melhores composições em anos. Mais uma vez o solo de Johansson e o vocal de Lowe se destacam. Além de um teclado que dá um clima bem de final de show.
Se alguém duvidava que a banda conseguiria se manter como o principal nome do doom metal mundial sem Marcolin, este disco é a conformação que sim.

Faixas do CD:

01. If I Ever Die
02. Hammer of Doom
03. The Bleeding Baroness
04. Demon of the Deep
05. House of 1.000 Voices
06. Dead Angel
07. Clouds of Dementia
08. My Funeral Dreams

Por Eduardo Guimarães

Joe Stump - Vistuostic Vendetta

2009-05-20T07:05:00.000-07:00

publicado em
20/05/2009

Joe Stump é um ‘guitar heroe’ contemporâneo de Steve Vai, Vinnie Moore e Yngwie Malmsteen e, embora tenha uma técnica apurada e precisa, o músico parece estar sempre atrasado em relação a esse pessoal. Tanto é que ele começou sua carreira solo e apareceu na cena só em 1993, quando tudo em relação a ‘shreds’, fritações, temas neoclássicos e afins já havia sido gravado, regravado, copiado e clonado à exaustão.
“Vistuostic Vendetta”, o novo álbum de Joe Stump, dá continuidade ao processo atrasado. É óbvio que os solos são rápidos e cristalinos. O músico realmente domina a arte da palhetada alternada e dos ‘sweeps’. Mas falta criatividade, falta originalidade, faltam boas idéias. O máximo que Joe Stump consegue na maior parte do tempo é soar como um clone tardio de Yngwie Malmsteen, com a mesma Fender Stratocaster, os mesmos timbres, as mesmas escalas e as mesmas construções musicais. “Fire and Brimstone” é “Far Beyond The Sun”e “Witching Hour” é “Black Star”. Descaradamente. A única diferença entre as faixas é um “pequeno” intervalo de cerca de 25 anos.
No meio do repertório, porém, Stump se sai bem com a balada “The Beacon”, onde usa mais o ‘feeling’ dos ‘bends’ bem executados e uma bela melodia, ainda que não deixe de fazer seus malabarismos. “Blackmore’s Boogie” e “Old School Throwdown”, que vêm em seguida, também surpreendem pelos bons ‘riffs’ e a harmonia coesa. Mas é só. Tudo volta ao normal em “Allegro #2 in A Minor”, que só pelo nome já dá pra se ter uma idéia do que se trata, e “Symphonic Pandemonium”, outra que poderia estar em qualquer álbum do sueco.
“Vistuostic Vendetta”, assim como outros álbuns, foi feito exclusivamente para guitarristas e isso não é nenhum defeito. O problema é que quem já está familiarizado com o instrumento pode se irritar com os plágios e a babação desenfreada de Stump por Malmsteen, mesmo porque ele não é nenhum garoto iniciante. Melhor, então, ficar com o original.

Faixas do CD:

01. Chasing The Dragon
02. Pistol Whipped
03. The Dance of Kashani
04. Fire and Brimstone
05. The Beacon
06. Blackmore’s Boogie
07. Old School Throwdown
08. Allegro #2 in A Minor
09. Trigger Happy
10. Symphonic Pandemonium
11. The Witching Hour
12. Strat Sorcery

Por Rafael Sartori

Derek Sherinian - Molecular Heinosity

2009-05-18T08:36:00.000-07:00

publicado em
18/05/2009

Derek Sherinian é um músico de técnica apurada, mas que nunca foi unanimidade, nem mesmo no Dream Theater, banda que o apresentou ao mundo. Mas, verdade seja dita, o tecladista sabe como “fazer amigos e influenciar pessoas” no meio.
Prova disso é que além do Dream Theater, o músico sempre esteve envolvido em projetos de alta classe e, mesmo em seus álbuns, consegue reunir um time de convidados de primeira. “Molecular Heinosity” é o sexto da carreira e não poderia ser diferente.
Com uma produção caprichada, faixas instrumentais que passam pelo Rock Progressivo, Fusion e Metal, Sherinian é acompanhado por músicos do porte de Virgil Donati na bateria e Tony Franklin no baixo. Nas guitarras, nada menos do que a trinca Zakk Wylde, Brett Garsed e Rusty Cooley.
Uma das maiores qualidades do tecladista é que, embora seja o capitão do projeto e assine o trabalho com seu nome, ele não monopoliza as músicas. Há espaço para solos de guitarra e muitos ‘riffs’. Em certos momentos, aliás, a impressão é de que o disco é de um guitarrista e não de um tecladista. Há ainda boas linhas de baixo, além é claro de mudanças de ritmo e viradas certeiras de Donati. Destaque para “Ascension” e “The Lone Spaniard”, que trazem menos notas, mas escolhidas com maestria. “Antarctica” e “Wings of Sanity” deverão agradar os fãs de Progressivo e o repertório tem ainda as pesadas “Frozen By Fire” e “So Far Gone”. Esta última, aliás, é a única cantada do disco e quem assume o microfone é Zakk Wylde.
“Molecular Heinosity” segue a mesma linha dos outros álbuns solo de Sherinian, com música instrumental técnica, bem produzida e sem ser maçante. Com esse time de convidados a tarefa fica relativamente fácil, cabendo a Sherinian só organizar a seleção.

Faixas do CD:

01. Antartica
02. Ascension
03. Primal Eleven
04. Wings of Insanity
05. Frozen By Fire
06. The Lone Spaniard
07. Molecular Intro
08. Molecular Heinosity
09. So Far Gone

Por Rafael Sartori

NOFX - Coaster

2009-05-15T10:05:00.000-07:00

publicado em
15/05/2009

O período caótico na política norte-americano e conseqüente no cenário internacional de certa forma já se foi. Um sopro de esperança de que alguns problemas crônicos, não só os econômico-sociais, sejam solucionados, veio com a chegada de Barack Obama. Assim, os argumentos de sobra que todas as bandas politizadas tinham desapareceram, principalmente pelo final da era George W. Bush. Ou seja, pelo menos por enquanto, há escassez de motivos para se meter o pau. Uma das bandas atingidas é o NOFX. A veterana banda, formada em 1983, como reza o manual Punk Hardcore, é sim uma banda política. Pode não ser tão explícita quanto outras do estilo, mas ao longo de sua trajetória sempre se preocupou em se posicionar diante de diversas questões do gênero. “Coaster” mostra o quão boa a banda é. Privada de um de seus temas favoritos, a banda focou totalmente suas atenções para o seu som. É verdade que as letras sofreram um baque, mas amplamente compensado pela sonoridade revigorada que este álbum apresenta. O álbum é uma porrada sonora e mostra que os veteranos ainda tem muita lenha para queimar, com bateria e baixo pulsando à toda, um paredão de guitarras simples e diretas e vocais cheios de adrenalina, tudo que o estilo quer e pede. Destaques para “The Quitter”, “My Orphan Year”, “Eddie, Bruce and Paul”, (há rumores que a letra é sobre o Iron Maiden!) e “One Million Coasters”, faixa que encerra o ‘tracklist’. “Coaster” é um ótimo álbum de uma veterana banda que ainda coloca muitos novatos no bolso.

Faixas do CD:

01. We Called It America
02. The Quitter
03. First Call
04. My Orphan Year
05. Blasphemy (The Victimless Crime)
06. Creeping Out Sara
07. Eddie, Bruce and Paul
08. Best God In Show
09. Suits and Ladders
10. The Agony of Victory
11. I Am an Alcoholic
12. One Million Coasters

Por Maurício Kenzil